Reflexiones sobre las películas violentas
La prevalencia de la violencia en las películas no se debe únicamente a personajes como Scorsese, Peckinpah y Tarantino, ni tampoco a Hitchcock, Spike Lee o Catherine Bigelow. Quentin Tarantino reflexiona sobre las películas violentas desde una perspectiva estética y narrativa en su libro "Film Theory". A la edad de nueve años, Tarantino fue llevado a ver el inquietante thriller negro "Melinda" (1972), y su madre Connie, preocupada por la violencia, le advirtió: "Bueno, Quentin, esta película es demasiado violenta. No estoy confundida por la película, pero no vas a entender la historia. Entonces, si no conoces el trasfondo de la violencia, solo la verás por la violencia. No quiero que hagas eso".
Connie señaló un punto crucial: el contexto de violencia es importantísimo cuando se trata de escenas violentas en la pantalla. La vista del gran tiburón blanco acechando en el océano es suficiente para hacer que uno se estremezca, pero si la audiencia ve el motivo detrás de la violencia, las escenas brutales son aceptadas. Tarantino escribió sobre las experiencias cinematográficas de su infancia: "Podía aceptar la violencia porque entendía la historia". De hecho, se emocionó más viendo "Bambi" de Disney, donde murió la madre cierva, que viendo las películas más violentas y extremas de la época.
Cuando un reportero le preguntó si, cuando era niño, un recaudador de boletos le había impedido ver películas de crímenes de terror, Tarantino respondió: "Nunca. Todas son películas con clasificación R (restringidas, que requieren que los espectadores menores de 17 años esten acompañado por un adulto). No hay nada con clasificación X (es decir, no apto para espectadores menores de 17 años). Tus padres pueden llevarte a ver una película con clasificación R. Para eso existe la clasificación R ."
En el documental "Esta película aún no está calificada" (2006) del director estadounidense Kirby Dick, se mencionó que los miembros del comité de calificación de películas estadounidenses a menudo se encuentran confundidos cuando se trata de violencia en la pantalla. Cuando una película involucra sexo, especialmente cuando las escenas muestran homosexuales, es más probable que califiquen la película como NC-17. "El rey del mal gusto", dijo el director de comedia estadounidense John Waters, en el documental de Dick: "La violencia es algo bueno, el sexo no".
Tarantino abandonó la escuela a los 15 años y trabajó como proyeccionista en una sala de cine pornográfico. También vendía cintas de video en una tienda de discos durante su tiempo en las calles. Vio todas las películas de la tienda y se convirtió en el rey indiscutible del conocimiento cinematográfico, acumulando así una asombrosa cantidad de material cinematográfico y de lectura. Él cree que toda la década de 1970 fue la era más grandiosa del cine estadounidense y es por eso en "Había una vez en Hollywood" intenta plasmar esta opinión.
En su libro, Quentin Tarantino analiza las razones detrás de la representación de la violencia en las películas estadounidenses durante la década de 1970. Durante ese tiempo, se aceptó e incluso se fomentó cualquier representación violenta, lo que llevó a la creación de numerosas grandes películas. Sin embargo, en la década de 1980, las películas comenzaron a priorizar ser "agradables" y no ofender a nadie, lo que resultó en películas artificiales y restringidas. Como dice el autor, "si realmente hiciste una película sobre un tarado, puedes apostar a que el tarado tendrá un momento de redención en los últimos 20 minutos".
Todas las películas de Quentin Tarantino están disfrazadas de fiestas locas y sangrientas para el entretenimiento ligero. Tarantino entiende que el público está cansado de ver películas que solo muestran masacres o el sufrimiento de esclavos. Se busca que las víctimas se conviertan en "vencedores y vengadores", encontrando venganza a través de acciones violentas. La violencia estética en la pantalla es una forma de "catarsis" que es "beneficiosa para el alma" y puede satisfacer fantasías morales donde las personas buenas son recompensadas y las malas son castigadas. Cuanto más brutal es la venganza, más satisfactoria es. Nadie quiere ser Bambi y que le maten a su madre sin poder tener ningún tipo de represalia.
Algunos cineastas están conmocionados y confundidos por el nivel de violencia en la pantalla. Julian Fellowes, el creador de "Downton Abbey", dijo en una entrevista: "La mayoría de nosotros no experimentamos violencia en nuestras vidas. No digo que nunca hayas presenciado un acto violento, pero es muy raro. Es posible que haya visto dos peleas reales en mi vida, pero puedo ver seis escenas de pelea en una película por noche y no entiendo la lógica". En las obras de Fellowes, es poco probable ver sirvientas y mayordomos siendo golpeados en la cocina o escenas de duquesas siendo decapitadas. En sus programas de televisión y películas, él prefiere representar sueños románticos y nostálgicos , incluso en el enigma de asesinato "Gosford Park: crimen de medianoche", en el cual la víctima muere sin derramamiento de sangre cuandole clavan un cuchillo en el pecho.
Los intentos de los creadores por explorar áreas morales grises y desafiar la violencia implícita han dado paso a finales felices al estilo de Hollywood. La mayoría de las películas de los años 80 tenían un gran final feliz, y podías saber desde el principio cuál sería. Todos repetían la misma frase: "Todo estará bien", como el personaje de Bill Murray en "El hechizo del tiempo", en donde todos los días son 2 de febrero. Por supuesto, no se pueden comparar con las películas de los años 70. En estas películas, no se puede ver el clímax al final de "Los perros de paja" (1971) de Peckinpah, en el cual el académico tranquilo y reservado, el personaje de Dustin Hoffman, finalmente toma las armas contra los aldeanos que lo han estado acosando. Ni tampoco se puede escuchar la canción de "Cantando bajo la lluvia" mientras se cometen actos de violencia y el esposo de la víctima es burlado y humillado, como en "La naranja mecánica" de Kubrick (1971).
En "El acorazado Potemkin" (1925) de Sergei Eisenstein, un cochecito de bebé fuera de control cae por las escaleras junto a un cadáver que yace en los escalones de Odessa. En "El enemigo público" (1931) de William Wellman, el personaje de James Cagney aplasta media naranja en la cara de su novia. Hitchcock hizo que un lunático apuñalara a Janet Leigh en la ducha con un cuchillo en "Psicosis" (1960), lo que provocó que un asesinato en la ducha fuera frecuente durante más de 60 años. Incluso en la nueva película de 2022 "Los espíritus de la isla", Martin McDonagh corta los dedos del protagonista y los usa para indicar la determinación del personaje. Estas escenas sangrientas e inolvidables de la historia del cine, presentes en la memoria del público, garantizan la integridad artística de las películas.
Cuando Quentin Tarantino estaba haciendo "Bastardos sin gloria", contrató a un colaborador llamado Eli Roth. La película de terror con la que debutó Roth fue "Fiebre en la cabaña" en 2002, que tiene lugar en una cabaña en el bosque y presenta varias escenas de cuerpos corroídos por un virus. En contraste, la película de Mel Gibson de 2004 "La Pasión de Cristo" presenta los sonidos de los martillos romanos cuando clavan a Jesús en la cruz, su cuerpo está cubierto de marcas de latigazos, y la sangre chorrea por los agujeros de los clavos, goteando en el suelo. Pareciera que el dolor estuvo empapado en sangre por 2000 años.
Esta es la paradoja. La violencia en la pantalla es ficticia, pero también se la critica por ser absurda, explotar los intereses de la audiencia y usar el sexo y la violencia para estimular sus deseos e incitar a posibles imitadores. Felowess tiene razón cuando dice que la violencia rara vez se cruza con la vida de la mayoría de las personas. Sin embargo, desde la invención del cine, los momentos más vívidos y memorables de la pantalla, que también son los que más aprecian los espectadores, se basan en brutales actos de violencia.
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