Wes Anderson: Adiós a la nostalgia

Wes Anderson es generalmente reconocido por su estilo visual único, en particular por su uso del color. Sin embargo, sería simplificar demasiado decir que su uso del color es su mayor virtud como cineasta. En mi opinión, su talento para crear personajes convincentes y contar historias cautivadoras merece la misma atención. Aunque sus películas presentan una paleta de colores distintiva, también son conocidas por sus composiciones planas y simétricas y su nostálgico retrato de una época pasada. Lo que realmente diferencia a Anderson de otros directores es su capacidad para crear personajes absurdos y a la vez cercanos y entrañables, utilizando el humor para explorar temas más profundos como la pérdida, la familia y la búsqueda de sentido.

En este artículo analizaremos de cerca el estilo único de Wes y los temas recurrentes en su obra, además de analizar cómo crea sus memorables personajes y por qué el público se siente atraído por sus películas.

"No soy valiente. Simplemente no tenía ganas de decepcionar a todo el mundo. Soy extranjero, ¿sabe?".

-Nescaffier, The French Dispatch

Nescaffier (Medio)

En búsqueda de algo perdido

Para entender el cine de Wes Anderson, podemos empezar con la cita anterior de Nescaffier (interpretado por Steve Park) en su película más reciente, "The French Dispatch" (2021). Nescaffier no era una figura heroica, pero siempre estaba dispuesto a dar un paso adelante cuando se le necesitaba. Cuando Roebuck Wright le llamó "teniente", dando a entender que actuaba por sentido del deber, él respondió: "Soy extranjero", indicando que le preocupaba ser un forastero. Antes de perder el conocimiento, dijo: "Busco algo que me falta, echo de menos algo que he dejado atrás", revelando un sentimiento de nostalgia. Como alguien que ha compartido experiencias similares a las de Nescaffier, no podría estar más de acuerdo con sus palabras. Como cocinero, está acostumbrado a conocer los gustos e intereses de los demás, pero a pesar de sus increíbles dotes culinarios, es evidente que le cuesta encajar en la comunidad. La gente le pedía recetas, pero rara vez preguntaban por él. De hecho, si nos ponemos a pensar, no sabemos de dónde es Nescaffier porque a nadie le importó lo suficiente como para preguntar. No fue hasta que Nescaffier hizo algo importante que la gente se dio cuenta de que era algo más que un simple cocinero.

No pude evitar preguntarme por qué. No sólo por curiosidad, sino también por un sentimiento de insatisfacción que perduó en mi interior. Esta sensación me recuerda a Gustave (Ralph Fiennes), el director del hotel en la película "El gran hotel Budapest" (2014). El protegía al chico del vestíbulo, Zero (Tony Revolori), que también era su amigo, para que no fuera inspeccionado por los soldados de la frontera.En un momento, Gustave gritó: "No pueden detenerlo solo porque es un maldito inmigrante. No ha hecho nada malo". En ese momento, creo que no sólo intentaba evitar decepcionar a Zero, sino también a sí mismo. Aunque su motivación profunda seguía sin estar clara, sabemos que Gustave es un hombre de gran reputación, que contrató a Zero justo después de que éste le confesara que había venido por la reputación del Gran Budapest. A lo largo de la película, Gustave insiste en buscar los "restos" de la civilización en todas las situaciones. Simplemente no podía aparecer en algún sitio sin un perfume decente que hablara de su apariencia, ya que para dejar una impresión duradera más allá de lo físico, uno debe infundir poesía a su discurso. Gustave es un espíritu perdido pero gentil que quiere que Zero herede su voluntad, no sólo sus bienes. Quiere que Zero se convierta en él, aunque nunca menciona una sola palabra al respecto.

Zero (izquierda) y Gustave (derecha)

Forastero vs. Simetría

Algunas personas describen las películas de Wes Anderson como "extravagantes", e incluso el propio Anderson ha dicho que sus películas son intencionadamente "caprichosas". La cuestión es que, sin estas cualidades, personajes como Nescaffier, Zero y Gustave no tendrían ningún sentido. Tienen lo que se suele llamar cualidades de "forastero" en situaciones de la vida real. Además, poseen estas cualidades no porque hayan hecho algo malo, sino más bien porque han sufrido circunstancias ajenas a su voluntad, como la guerra, la enfermedad o el abandono. Están desviados o, en otras palabras, atravesados por circunstancias que no han provocado ellos, y por eso parecen estrafalarios. Por lo tanto, Anderson tiene que encontrar la manera de "cagarlos" de nuevo.

En sus películas, Wes suele utilizar una composición plana y simétrica (conocida como puesta en escena planimétrica) para presentar a los sujetos perpendicularmente al público con una distorsión mínima. Esta estética es atractiva para la naturaleza humana en un nivel básico, ya que todo está dispuesto para la percepción del espectador. Sin embargo, cualquier sujeto que se desvíe de esta disposición, incluidos los personajes y objetos asociados a ellos, destacará y parecerá "no estar del todo bien". Esto crea una gran ironía, ya que estos personajes pueden no haber hecho nada malo, sin embargo, parecen ser la persona correcta que se ha topado con el lugar equivocado. Cuando se combina con los encuentros inesperados que ocurren con frecuencia en las tramas de Anderson, esta mezcla de "nada malo" y "no del todo correcto" puede conducir a una sensación agridulce que también es humorística.

Sin embargo, los personajes de Anderson serían menos convincentes si sólo se basara en una puesta en escena planimétrica. Él domina el truco de la simetría como nadie, y también lo incorpora al montaje. Normalmente, secuencia sus escenas de modo que la siguiente se desarrolla en el mismo marco temporal que la anterior, haciendo que el público sienta que la siguiente secuencia responde directamente a la anterior. Si prestas atención a estas secuencias, verás cómo Anderson hace todo lo posible para que sus personajes resulten atractivos, extendiendo la simetría a los diálogos, las acciones, las bandas sonoras e incluso la estructura de la historia.

Aunque la mayor parte de esta imagen es simétrica, las expresiones faciales de los personajes parecen transmitir una sensación de sorpresa mayor de lo que la situación justificaría. Es evidente que están fuera de lugar, aunque de forma divertida.

Anderson siempre busca un objetivo concreto en sus películas: casi todos los personajes deben transformar alguno de sus aspectos característicos en el opuesto, mientras el resto permanece igual. Esto puede sonar familiar: "buscar algo que falta, echar de menos algo que se ha dejado atrás". Nescaffier sigue siendo extranjero, y su identidad permanece como tal. Busca la idea o la función de "hogar" en una tierra extraña mientras sabe que su yo del pasado nunca regresará. No importa si vuelve a casa o no; su experiencia de extranjero ya le ha hecho diferente. Del mismo modo, Zero recorre un largo camino para convertirse en el "chico del vestíbulo" y buscar un nuevo hogar. En el camino, tiene que sacrificar algo, alejarse de algo o deshacerse de algo para abrazar plenamente su nueva identidad. Estas cosas siguen nutriéndole a medida que crece y se convierte en alguien nuevo. Por ejemplo, Gustave busca a Zero para que se convierta en alguien como él, conservando las cosas (el hotel) de una forma que antes le resultaba extraña. Entonces, Zero repetirá en cierto modo lo que ha hecho Gustave, cuando se convierta en alguien como él.

¿Qué otros elementos son rojos además de la decoración del hotel y el atuendo de Madame D (Tilda Swinton)? Es interesante observar que cuando sólo Madame D y el hotel tienen el color rojo, el hotel adquiere un aspecto sutil pero significativamente diferente cuando Madame D no está presente. Este fenómeno también puede observarse en situaciones de la vida real. A veces, el cambio es imperceptible, como cuando el color del hotel no cambia en ausencia de Madame D, pero sigue siendo diferente.

El amarillo y el rojo son colores que no suelen encontrarse en la naturaleza, pero Wes Anderson los utiliza estratégicamente para desarrollar un sentimiento de nostalgia en sus películas. Esto crea un ambiente atractivo para el público, aunque le resulte difícil sumergirse por completo en él. Si se observa más de cerca, resulta evidente que el uso que Anderson hace del color es armonioso y llamativo. Mientras que los elementos fuera de la pantalla pueden ser redundantes, los personajes del director disfrutan de un grado significativo de libertad, lo que les permite mostrarse vívidos y dinámicos, independientemente de los problemas a los que se enfrenten. Por ejemplo, en Buscando el crimen (1996), Dignan (Owen Wilson) viste de naranja chillón para mostrar su nueva identidad como miembro de la legendaria tripulación del Sr. Henry, mientras que en El gran hotel Budapest Gustave siempre aparece de violeta intenso antes de figurar en la lista de "buscados". El color naranja brillante de Dignan puede interpretarse como su despedida de su pasado, mientras que el violeta brillante de Gustave es quizá su manifiesto silencioso a la moda de la vieja escuela. Anderson se toma su tiempo para impresionarnos con estos colores en la trama, de modo que cuando los personajes cambian de color debido a nuevas situaciones, podemos entender mejor su nostalgia.

El director interino del hotel no termina de encajar en el cuadro, merezca o no el papel.

Diálogo sinfónico vs. Un orgullo que se desvanece

Aunque la simetría en la composición puede ser visualmente atractiva, el público puede cansarse de ella después de verla con demasiada frecuencia. Por eso es aún más impresionante ver cómo Anderson evita caer en esta trampa. En sus películas, es habitual ver a los personajes exponiendo (o vendiendo) sus ideas o planes. Anderson elabora los diálogos de sus personajes con esmero, tejiendo el ritmo entre sus palabras para que sus discursos reboten literalmente unos en otros y resuenen, formando una sinfonía. Por ejemplo:

Julian Cadazio: "Simone, desnuda. Bloque de celdas J. Hobby Room". Quiero comprarlo.

Moses Rosenthaler: ¿Por qué?

Julian: Porque me gusta.

Moses: No está a la venta.

Julian: Sí, lo está.

Moisés: No, no lo está.

Julián: Sí, lo está.

Moisés: No, no lo está.

Julian: Sí, lo está.

Moisés: No, no lo está.

Julian: Sí está. Sí. Todos los artistas venden sus obras. Es lo que te convierte en artista. Venderlas. Si no quieres venderla, no la pintes. La pregunta es: ¿cuál es tu precio?

Moisés: 50 cigarrillos. No, mejor que sean 75.

En esta conversación, Julian (Adrien Brody) es el comprador y Moses (Benicio Del Toro) es el creador y propietario del objeto en cuestión. Al principio, Moses no estaba interesado en vender, por lo que la conversación se mantuvo informal hasta que evolucionó hacia una negociación más formal. Julián tuvo que utilizar sus dotes de comunicación para persuadir a Moses para que vendiera, ya que se encontraban en una situación complicada (estaban en la cárcel). Sabiendo que el cuadro no significaba nada para Moses, Julian inició sabiamente la conversación mencionándolo. Su argumento podría resultar menos convincente si adoptara este enfoque:

"Quiero comprar el Simone, desnuda. Bloque de celdas J. Hobby Room".

o

"¿Quieres comprar el Simone, desnuda. Bloque de celdas J. Hobby Room?"

Además, si Moses preguntara "¿Por qué quieres comprarlo?", podría no parecer serio. Cuando Julian le explicó que le gustaba la obra, Moses rechazó su oferta. La cuestión es que Julian no significaba nada para él ni para el valor de su obra. Sin embargo, en respuesta, Julian refutó su negativa rápidamente: "la obra está en venta", redirigió la conversación para su provecho. Para él, la venta de arte es importante para el significado del artista y el precio de su obra. Antes de que Moses finalmente aceptara que el cuadro valía al menos 75 cigarrillos, Julian intentaba persuadirlo para que aceptara sus ideas. Necesitaba hacerlo con tacto y sutileza.

En la imagen podemos ver que Moses parece estar menos vigilado en el lado derecho, lo que demuestra que quizá se le puede haber concedido cierto grado de libertad en ese lado, como metáfora visual de que Simone (Léa Seydoux) es su musa.

¿Cómo contribuye este tipo de diálogo al sentimiento de nostalgia, y cómo la nostalgia, a su vez, potencia el drama de la película? Examinemos otra conversación en la que Julian promociona su trabajo ante su tío, que desempeña un papel en la gestión del negocio familiar:

Julian: Se acabaron las flores y los fruteros. Hemos acabado con las playas y los paisajes marinos. También estamos dejando las armaduras, las alfombras y los tapices. He encontrado algo nuevo.

[revela el cuadro de Moses Rosenthaler "Simone, desnuda. Bloque de celdas J. Hobby Room."]

Tío Nick: ¿Arte moderno?

Julian: Arte moderno. Nuestra especialidad, a partir de ahora.

Tío Joe: No lo entiendo.

Julian: Claro que no lo entiendes.

Tío Joe: ¿Soy demasiado viejo?

Julian: Claro que lo eres.

Tío Nick: ¿Por qué es bueno?

Julian: No es bueno. Esa es una idea equivocada.

Tío Joe: Eso no es una respuesta.

Julian: Mi punto. ¿Ves a la chica en él?

Tío Nick, tío Joe: No.

Julian: Confía en mí, está ahí.

En el cuadro, la chica no está presente, pero el espectador sigue reconociendo su ausencia al tiempo que considera anticuada la forma de arte anterior. Al hablar en un tono rítmico, el orador crea naturalmente un flujo de reconocimiento sin buscar necesariamente el acuerdo. Cada línea se pronuncia de forma clara y directa. Si la longitud de cada línea fuera más corta o más larga, el flujo se interrumpiría. Los personajes de Anderson se esfuerzan por reconocerse a sí mismos, lo que les exige salir de su zona de confort y aceptar circunstancias desconocidas. En un nivel más cercano, estos personajes deben hablar con decisión y concisión, ya que su orgullo se desvanece rápidamente. Cualquier tartamudeo o discurso superfluo empañaría sus creencias previamente defendidas, despreciando su status quo ha presagiado que sus creencias se revelarían más tarde como ilusión o fantasía.

Para ser sincera, creo que su mundo se había desvanecido mucho antes de que él entrara. Pero diré que, ciertamente, sostuvo la ilusión con una gracia maravillosa.

-Mr. Moustafa, El gran hotel Budapest

Gustave está rodeado de ancianas rubias, todas vestidas de negro, pero ninguna de ellas puede recordarle a Madame D.

Conclusión

Las películas de Wes Anderson siempre dejan un profundo impacto en su público, evocando un sentimiento de nostalgia que es a la vez fugaz y duradero. Cada vez que veo una de sus películas, me encuentro cautivado por las maravillosas y resplandecientes almas atrapadas en su mundo. Aunque los personajes parecen estar satisfechos con sus finales, me queda una sensación extraña que perdura, recordándome lo difícil que es decir adiós.

A través de las películas de Anderson, he llegado a apreciar la belleza del pasado sin dejar de estar abierto a lo que está por venir. Gracias a estos personajes, ya no temo reconocer mis propios defectos e inseguridades, ya que me recuerdan que no estoy sola en mis luchas.

Adiós a la nostalgia, quizá ese sea el encanto de Wes... ¡Eso es algo en qué pensar!