Un "Happy hour" de cinco horas demuestra que cualquiera puede hacer una película

El Festival de Cine de Locarno 2015 le otorgó el premio a Mejor Actriz a cuatro mujeres japonesas sin experiencia actoral previa. El guión de la película también recibió una mención especial. Cabe mencionar que las cuatro actrices protagonistas y todos los actores de la película hicieron su debut, completando colectivamente esta epopeya de 317 minutos. La película apareció al instante en cines de arte en todas partes del mundo.

No es raro que toda la película utilice actores no profesionales. Este hecho se ha visto una y otra vez en las primeras obras de Hsiao-hsien Hou, Zhangke Jia, e inclusoRobert Bresson. Esto se debe a consideraciones de costos de producción y a la búsqueda de la estética cinematográfica. Este tipo de actores suelen ser seleccionados por el director para adaptarse a los roles de la obra y luego recibir orientación en términos de habilidades de actuación. El proceso de selección y orientación otorga al director autoridad absoluta. Sin embargo, Happy Hour es completamente diferente. Es una interacción bidireccional entre el director y los actores; es igualitaria, democrática y tiene una gran fluidez.

En un sentido amplio, se podría decir que Happy Hour es una película estudiantil con una producción no convencional. No está producida por ningún estudio cinematográfico importante, como como Shochiku o Toho sino por Kobe KIITO, un taller de interpretación de improvisación. El director Ryûsuke Hamaguchi, el guionista Tadashi Nohara y el guionista Tomoyuki Takahashi son profesores de formación en este taller. Todos los personajes que aparecen en la película son sus alumnos. Aunque son estudiantes, provienen de diferentes edades y clases sociales. Estudiantes universitarios, oficinistas, amas de casa, ancianos jubilados, etc. Aprovecharon el tiempo libre durante el fin de semana y, tras ocho meses de formación, completaron conjuntamente esta película como resultado final de su aprendizaje.

En pocas palabras, Happy Hour es una alegre colaboración entre un grupo de personas que quieren aprender a actuar y un grupo de personas que enseñan cine. Un modelo de producción de este tipo es digno de elogio. En primer lugar, reduce en gran medida los costos de producción cinematográfica. Las tarifas de formación para los estudiantes sirven como capital inicial para el rodaje lo que elimina la necesidad de gastar recursos adicionales en actores. Esto se debe a que los propios alumnos son los actores. Algo que se vuelve factible para películas independientes de bajo presupuesto. En segundo lugar, se trata de un concepto innovador. La adopción de actores no profesionales ya no se limita a unos pocos afortunados elegidos por directores o productores. Todos los alumnos participantes tienen la oportunidad de actuar. En función de las características de cada alumno, los profesores (es decir, directores y guionistas) crean los guiones correspondientes. Esto difiere de la práctica común en las películas normales, donde el guión está antes que los actores. En gran medida, esto logra la igualdad entre directores y actores. De las entrevistas supimos que el guión pasó por nueve revisiones, no sólo como resultado de los esfuerzos colaborativos del director y los guionistas, sino también como evidencia de un alto nivel de interacción entre el director y los actores.

En resumen, el modelo de producción de Happy Hour ha creado una nueva posibilidad para el espacio y la forma de supervivencia del cine independiente. Su valor no reside sólo en la película en sí sino también en el impacto en la industria cinematográfica. Universaliza el acto de creación cinematográfica y elimina las barreras de clase, haciendo del cine un movimiento nacional en el que todos pueden participar (como el taller en Kobe KIITO, que sirve como lugar de rodaje). Esta exploración experimental se extiende más allá del modelo de producción y la elección de actores no profesionales. También se refleja en las técnicas de filmación de Hamaguchi e impregna la narrativa de la película.

A diferencia de Lovers de Ryosuke Hashiguchi, que se centra en el destino de personajes marginados y de clase baja, Happy Hour cambia su foco hacia cuatro mujeres comunes y corrientes de unos cuarenta años, cada una con diferentes estados civiles y distintas dificultades familiares. Mientras Lovers termina con un atisbo de esperanza, Happy Hour muestra el colapso total de estas cuatro familias de principio a fin. Aparece Akari, que se divorcia y vive sola después de la aventura de su marido; Sakurako, una ama de casa atrapada en una vida estancada; Fumi, que tiene éxito en su carrera pero fracasa en su matrimonio; y Jun, que quiere divorciarse pero no puede escapar de su matrimonio. Sólo después de que la película proporciona una resolución clara, sus problemas individuales, incluso si se resuelven temporalmente, pueden continuar existiendo como hechos inalterables.

La película se divide en tres partes. Jun juega un papel fundamental en el desarrollo de la historia. Es debido a la repentina decisión de Jun de divorciarse que las vidas pacíficas de los cuatro personajes se ven alteradas y se pierde el equilibrio original. La primera parte es antes del descubrimiento de la aventura de Jun. La segunda parte es cuando asisten a la demanda de divorcio. La tercera parte es la búsqueda de Jun. Aunque Jun está ausente en la tercera parte, su presencia aún impulsa la narrativa. Aparte de la segunda parte, donde los cuatro personajes emprenden un viaje a las aguas termales, con escenas resplandecientes al aire libre y luz natural que brilla en sus rostros sonrientes, toda la película se desarrolla principalmente de noche, en interiores de lugares como bares y restaurantes,o en trenes y autobuses.

Ciertos accesorios como mesas y sillas se colocan en todo el interior, lo que restringe en gran medida los movimientos de los actores, manteniendo sus acciones dentro de un rango muy limitado.

Esto es claramente parte de la estrategia de filmación del director Hamakuchi. Los actores necesitan dialogar, dialogar y dialogar. Se muestran, entonces, conversaciones entre los cuatro amigos, debates sobre la amistad, pensamientos confusos sobre el matrimonio y la vida, entre otros temas. Cada palabra que dicen refleja perfectamente a los personajes en la película y al mismo tiempo nos da una sensación de familiaridad, como si cada palabra que dijeran resonara con experiencias que todos hemos tenido en nuestra vida diaria. Esto parece decirnos que lo que construye nuestro mundo no son líneas dramáticas ni citas profundas, sino un montón de conversaciones triviales y sin sentido.

Independientemente de si se trata de sus películas anteriores, como Intimacies (2012) o Touching the Skin of Eeriness (2014), las obras de Hamaguchi intentan hacer avanzar la trama acumulando y enumerando una gran cantidad de diálogos. Se puede decir que esta es una de las principales características de sus películas. En su opinión, incluso los actores sin experiencia tienen inicialmente una sensación de disonancia en la interpretación, pero después de un diálogo continuo, pueden entrar suavemente en la conciencia de sus personajes. Por el contrario, los diálogos los incitan a convertirse en sus personajes.

A medida que las líneas de los actores se dicen una tras otra, el público elimina gradualmente la defensa psicológica del hecho de que la película es una existencia ficticia, identificándose así con los personajes de la película.

La interpretación del diálogo se presenta de manera sentada, lo que influye en el estilo de rodaje. El rango limitado de movimiento también restringe los movimientos de la cámara, y contribuye a una toma más estable. Aunque Hamaguchi reconoce en público que esta película rinde homenaje al ídolo John Cassavetes y que es la versión femenina de Maridos (1970), no emplea la misma transformación espacial con planos continúos de cámara en mano en los primeros planos como lo hizo Cassavetes. En cambio, suele optar por el enfoque más simple de tomas fijas desde el frente. Quizás esto sea una imitación de las películas de Ozu, pero carece del refinado sentido de ceremonia y forma estética. En cambio, crea una sensación de tensión y explosividad, una anticipación de algo que está a punto de suceder pero sin saber cuándo ni qué. Recuerdo a Hou Hsiao-Hsien, que también utilizaba actores no profesionales, afirmando abiertamente que utilizaba planos largos porque rompería la ilusión una vez que la cámara se acercara demasiado.

Hamaguchi es todo lo contrario: coloca la cámara directamente frente a los actores, obligándolos a confrontar su relación consigo mismos y con la cámara. Es entonces cuando el director cree que se maximiza la pureza de la interpretación. Además del extenso diálogo y las tomas frontales, la película también incluye dos tomas de estilo documental que tienen casi la misma duración que en tiempo real. La importancia de esta filmación en tiempo real es que nos permite, como audiencia, compartir y experimentar los mismos momentos alegres que los personajes. Sentimos la confianza entre los participantes del taller, escuchamos los monólogos de las muchachas que experimentan su primer amor durante la recitación y somos testigos de la sincera confesión de amor del biólogo de corazón frío.

Happy Hour es una película a la vez mágica y común. Utiliza un método simple para capturar conversaciones cotidianas de mujeres comunes y corrientes sin experiencia en actuación,un contexto con el que todos estamos familiarizados. Sin embargo, tuvo el poder de conmoverme a mí, alguien de un país completamente diferente al de la película. Al mismo tiempo, me sorprendió y asombró que la creación cinematográfica no sea privilegio de unos pocos sino que sea acción para todos y cada uno de nosotros.