Desde la representación de la industria pornográfica en "Juegos de placer" hasta explorar el trauma y las enseñanzas científicas posteriores a la Segunda Guerra Mundial en "The Master" y el mundo del diseño de moda en "El hilo fantasma" y desde los personajes marginales en "Vicio propio" hasta los titanes corporativos en "Petróleo sangriento", la influencia y variedad de P.T. Anderson en términos de estilo y temas no tienen prácticamente paralelo en el cine contemporáneo.
Durante las últimas dos décadas, P.T. Anderson ha ido forjando poco a poco su propio estilo distintivo. Sus primeras películas estuvieron marcadas por el caos y el estilo dramático, empleando técnicas y actuaciones extremas. Sus obras posteriores mantienen una intensidad similar, pero a menudo ahondan más en lo interno, lo espiritual, que en lo físico. Su estilo como director también ha madurado y se ha vuelto más moderado.
Cada una de las películas de P.T Anderson se erigen como una obra maestra contemporánea y han obtenido reconocimiento en los principales festivales de cine. Sus películas presentan una profunda exploración de la naturaleza humana combinada con impecables técnicas cinematográficas. Sin duda, P.T. Anderson es uno de los directores contemporáneos más importantes.
En sus películas, hay numerosos momentos icónicos en los que combina magistralmente lo extraordinario con lo cotidiano, y así es como logra mostrar su destreza cinematográfica excepcional. Anderson aprovecha los contrastes narrativos, el encuadre y la iluminación para subrayar el núcleo de sus películas. Hoy analizaremos la forma en la que estas técnicas contribuyen a la genialidad de las películas de Anderson.
El poder y la vulnerabilidad del encuadre
"The Master" es una de las películas visualmente más impresionantes del director. Filmada con una lente de 65 mm, ofrece riqueza y claridad que cautivan al espectador. Con el telón de fondo de los Estados Unidos de la década de 1950, la película gira en torno a Lancaster Dodd, el fundador de un movimiento conocido como "La Causa", y su problemático asistente, Freddie. A medida que crece la influencia del movimiento, Freddie comienza a cuestionar sus enseñanzas. En 2012, la película recibió el León de Plata en el 69º Festival Internacional de Cine de Venecia.
La siguiente escena ejemplifica el dominio del encuadre de Anderson. John desafía abiertamente las enseñanzas de Dodd frente a los demás, y así es como Dodd pasa de la seguridad a la ira. La composición visual acentúa esta lucha de poder.
Mientras Dodd habla, la cámara lo encuadra en un primer plano medio, colocándolo en el centro del encuadre. Cuando se dirige al tribunal, se convierte en el centro de atención de todos. Por otro lado, John comienza como una figura relativamente insignificante; su plano inicial es un plano medio con parte de él obstruido por Dodd y su esposa, Peggy. Sólo más tarde, cuando Dodd se involucra en la conversación, el encuadre de John se abre.
Dodd está limitado a un plano medio y está obligado a girarse y mirar a John detrás de él, con una parte de él oscurecida por los accesorios del primer plano. En esta transición de planos, la dinámica de poder cambia notablemente. La vulnerabilidad de Dodd se hace evidente, mientras John, que inicialmente estaba borroso e insignificante, se hace cargo de la conversación. El encuadre de Dodd disminuye, mientras que la presencia de John crece. Finalmente, Dodd se levanta, se da vuelta y se enfrenta a su acusador, intentando recuperar el control.
Sin embargo, en las siguientes tomas, John avanza hacia un primer plano medio más ajustado, y su presencia ahora es imponente y dominante. La autoridad de Dodd se ve cuestionada, ya que alguien previamente anónimo y sin importancia inicia esta confrontación. Esta escena finalmente concluye con John tomando la delantera. A lo largo de esta secuencia, las opciones de encuadre cuidadosamente seleccionadas transmiten efectivamente el sutil cambio de poder en la escena, a pesar de que es un diálogo entre sólo dos individuos, un detalle intrincado que podría pasar desapercibido para el espectador promedio pero que se retrata vívidamente en la pantalla.
Proporcionar abundante información sobre la escena
El primer plano general de "Juegos de placer" es innegablemente impresionante. La cámara muestra con audacia el título de la película, luego sigue una toma en ángulo dinámico de un cartel afuera de una sala de cine. Este informa a la audiencia que están en Reseda, el corazón de la industria del entretenimiento para adultos del sur de California. Sin embargo, el movimiento flotante, casi etéreo de la cámara, hace que parezca menos una grabación mecánica y más una experiencia extracorporal.
Similar a los segmentos de "Vivir del azar", este estilo cinematográfico se inspira en "Buenos muchachos" y "Casino" de Martin Scorsese, ya que sumerge al espectador directamente en el entorno histórico. Sin embargo, una diferencia fundamental radica en la búsqueda de la cámara por parte de Scorsese de un realismo similar al documental, logrado principalmente a través de una voz en off explicativa, mientras que Anderson nos sumerge de cabeza en una sobrecarga sensorial de extravagancia de neón.
La secuencia de tres minutos presenta ocho personajes y, si bien inicialmente puede parecer abrumadora, reproduce la sensación de estar en una fiesta donde no es necesario saber el nombre de todos.
La cámara de P.T. Anderson es exuberante e intenta capturar a todas las personas y a todas las actividades presentes en simultáneo. Los espectadores pueden sentirse abrumados al principio, pero una mirada más cercana revela que cada segmento corto tiene una cámara que guía la atención de la audiencia hacia el personaje o área de interés. A veces, la iluminación sirve como señal, con un foco destacando la llegada de un personaje. A pesar de algunas tomas panorámicas, esta apertura sigue siendo una progresión lineal.
Esta secuencia culmina en un doble clímax de acción y quietud. Inicialmente, la cámara se desplaza desde el costado de la pista de baile, donde una chica baila enérgicamente, hasta el enfoque más lento en un joven Eddie Adams, a contraluz, con la anticipación de su rostro joven y hermoso escondido a plena vista, listo para aparecer en la pantalla.
Al igual que en muchas películas del género "coming-of-age", la cámara está en constante movimiento, mostrando las vidas caóticas y tensas de estos actores de entretenimiento para adultos. "Juegos de placer" está llena de movimientos de cámara igualmente espectaculares, y cuando el espectador cree que vió la mejor toma de la historia del cine, Anderson muestra una aún más notable.
Observemos la siguiente toma con más detalle. Puede que no sea tan glamoroso, pero hace milagros al moldear al protagonista de la película, Eddie Adams. Esta película, en cuanto a su estilo cinematográfico, brinda un amplio apoyo al desarrollo de los personajes y a la narrativa misma.
Después de las deslumbrantes escenas del club nocturno, Eddie Adams regresa a casa. En esta toma, Eddie entra a su habitación y comienza a desvestirse. Mientras lo hace, la cámara realiza una panorámica de 360 grados dentro del dormitorio.
¿Para qué sirve esta toma? Su propósito es mostrar la vida de Eddie Adams a través de su entorno. Es un músico al que le encantan los vehículos rápidos y las mujeres hermosas, y es un ferviente admirador de Bruce Lee. Si acepta empezar a hacer películas para adultos con Jack, todo esto le espera. Conseguirá el auto de sus sueños, conseguirá a la chica y se convertirá en la próxima superestrella de acción.
Esto no es simplemente un presagio; es el desarrollo del personaje. En esta toma, somos testigos de que Eddie Adams espera esta oportunidad. Algunos personajes del primer acto no saben lo que quieren, pero Eddie Adams sí lo sabe. Entonces, cuando llega el momento de tomar la decisión, la decisión del personaje ya ha sido sembrada.
Esta escena sirve para generar tensión a través de la edición, pero también informa a la audiencia sobre el personaje y la desafiante decisión que está a punto de tomar. El arco del personaje de Sydney se ha completado dentro de esta escena, lo que permite al público empatizar perfectamente con su psique.
Construyendo suspenso y personajes a través de la edición
El uso que hace el director de la edición para crear suspenso es bastante sencillo. Implica controlar el tiempo y emplear pausas para aumentar la sensación de anticipación. Pero ¿y si pudieras editar el suspenso y los personajes en simultáneo? P.T. Anderson logra esta hazaña en su primera película, "Vivir del azar", donde entrelaza la progresión llena de suspenso de la trama con las luchas internas del personaje.
En el clímax de la película, Sydney se enfrenta a una decisión crucial: matar a Jimmy. Sydney irrumpe en la casa de Jimmy, localiza su arma y espera a que Jimmy regrese a casa.
Sydney espera con ansiedad en la oscuridad, tiene los ojos fijos en la puerta principal, y tres escenas se intercalan. Desde el momento en que se sienta hasta que se dispara el primer tiro, transcurren más de tres minutos, una duración significativamente larga para un evento tan tenso.
También hay un contraste deliberado entre cada escena. Sydney espera con ansiedad, mientras Jimmy se involucra en una frenética juerga de apuestas y John y Clementine disfrutan de un paseo tranquilo. Esta yuxtaposición de ritmos rápidos y lentos crea tensión y anticipación.
Sin embargo, en las tomas de Anderson, el uso del suspenso no termina ahí. La construcción de las escenas también tiene en cuenta el desarrollo psicológico de los personajes. Toda esta secuencia gira en torno a Sydney y su estado de ánimo. Sydney se sienta en una silla y la cámara se acerca lentamente. ¿Por qué se hace esto? Para enfatizar su agitación interior. Está contemplando la decisión que está a punto de tomar, reflexionando acerca de las consecuencias.
De hecho, durante esta escena, cuando el público ve a Jimmy en el casino y a John y Clementine en el auto, ninguno de estos eventos sucede realmente en la narrativa; todos son productos de la imaginación de Sydney. Sydney imagina a Jimmy celebrando frenéticamente mientras juega e imagina a John y Clementine encontrando finalmente paz y seguridad. Sydney tiene todo esto en mente, solidificando su determinación.
Esta escena está editada para crear suspenso, pero también permite al público comprender el personaje de Sydney y la difícil elección que está a punto de tomar. El arco del personaje de Sydney ya se ha completado en esta escena, lo que le permite al público empatizar perfectamente con su psique.
Las técnicas cinematográficas de P.T. Anderson son un testimonio de su destreza como director. Combina un encuadre potente, una construcción de escenas inmersiva y una edición eficaz para atraer al público de forma emocional e intelectual. Su capacidad para entrelazar a la perfección el desarrollo de los personajes y el suspenso es el sello distintivo de su estilo único, lo que lo convierte en uno de los directores más excepcionales de nuestro tiempo.
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