En septiembre de 2023, el director japonés Hayao Miyazaki, de 82 años, hizo su aparición en el 71º Festival Internacional de Cine de San Sebastián con su última obra maestra, El chico y la garza (2023), y fue honrado con el prestigioso Premio Donostia (Premio a la Trayectoria) .
Al mismo tiempo,el Estudio Ghibli convocó a una repentina conferencia de prensa, anunciando que una cadena de televisión japonesa adquiriría una parte importante de sus acciones, convirtiéndola efectivamente en una subsidiaria. Este cambio radical marcó el comienzo de una "era post-Studio Ghibli" para el renombrado estudio, que se ha mantenido firme durante 38 años. Ha provocado conmociones en la industria cinematográfica de animación japonesa y mundial.
A lo largo de los años, Estudio Ghibli ha lidiado con crisis económicas, desafíos de sucesión y la abrumadora autoridad centralizada de Miyazaki. Ahora, cuando la ilustre carrera de Miyazaki llega a un final perfecto y la productora se embarca en un camino desconocido, surge la pregunta: ¿es esto una oportunidad o un desafío formidable? El futuro de Ghibli, una institución muy establecida en el mundo de la animación, está en juego, dejando a la industria y a los fanáticos ansiosos por ver hacia dónde irá a partir de ahora.
Fundado en 1978, el origen del Estudio Ghibli se remonta a un encuentro inesperado. Toshio Suzuki, el editor de la recién creada revista de animación "Animage" de Tokuma Shoten, imaginó un artículo especial sobre animación clásica. Se acercó a Isao Takahata, el productor de La princesa encantada (1968), para una entrevista. Takahata es una persona muy callada y a menudo se quejaba de que no podía responder preguntas difíciles, por lo que recomendó que se entrevistara al diseñador artístico y escénico de la película, Hayao Miyazaki. El excéntrico Miyazaki hizo una audaz solicitud de una "entrevista exclusiva de 16 páginas" y, finalmente, esta entrevista fue archivada permanentemente.
Nadie sabía que esta discordia sentaría las bases para la colaboración de los legendarios "Tres Mosqueteros" de la animación japonesa. A través de una serie de interacciones y compromisos, Suzuki se convirtió en un amigo fiel de los dos "bichos raros del anime", Miyazaki y Takahata. En ese momento, Japón estaba inundado de animaciones estadounidenses al estilo de Disney y la sencilla animación basada en líneas de Osamu Tezuka. Sin embargo, Miyazaki y Takahata trazaron un rumbo diferente para seguir un estilo de animación exquisito, solemne, clásico y conmovedor. Este estilo combinó perfectamente con el telón de fondo de las "Décadas Perdidas" de Japón, llenando un largo vacío en el panorama cultural. Sus obras eran como universos paralelos en el ámbito de la tecnología y el comercio y se destacaban del resto.
En ese entorno cultural surgió el Estudio Ghibli. En ese momento, Miyazaki y Takahata tenían 44 y 50 años respectivamente. He visto algunas de las entrevistas exclusivas de Miyazaki. Es un hombre tímido que se pone tan nervioso al encontrarse con los periodistas que les trae té justo después de servir el café. A pesar de eso, como fuerza creativa detrás de Estudio Ghibli, el estilo artístico de Miyazaki nunca fue superficial. Se extendió por toda la industria cinematográfica de animación de Japón, antes de expandirse rápidamente a la animación en todo el mundo. Detrás de esas suaves proyecciones estaban las producciones elaboradas minuciosamente por Miyazaki, así como su cruda ambición e influencia dominante.
El doble poder de los elementos visuales: ligero como una pluma, pesado como una roca
Miyazaki una vez dijo: "Creo animación para descubrir la belleza del mundo que a menudo pasa desapercibida. Quiero observar el mundo con ojos como estos. Me encantan las películas, no sólo por las historias, sino porque cuando veo una determinada imagen que me parece realmente hermosa, pienso: 'De esto se tratan las películas'". Por lo tanto, al mirar una película de Miyazaki, lo primero que debes admirar son sus imágenes. Según la impresión fija del público, las imágenes cinematográficas de Miyazaki son simples y estéticas, y nunca dejan de evocar una sensación de nostalgia infantil.
Sin embargo, en los últimos años, un creciente conjunto de investigaciones ha descubierto que se extienden mucho más allá de esta impresión inicial. El estudioso de la animación norteamericano Thomas Lamarre, en su obra "The Anime Machine", propuso que los intersticios de la animación de Miyazaki emplean una "síntesis abierta" para contrarrestar la "cinematicidad", liberando al mundo dominado por los humanos de relaciones fijas. Esta es a la vez una crítica y su forma única de resistencia. Detrás de esas imágenes más relajantes, cómodas y sencillas se encuentra el vasto y profundo universo estético de Miyazaki.
En su mundo animado, toda forma de vida, animada o inanimada, es creada por animadores, incluidos el tiempo y el espacio. La animación se crea "manualmente" a través de la comprensión del mundo por parte de los humanos y es el resultado de la subjetividad humana. En una era dominada por la animación generada por computadora, Miyazaki se ha adherido firmemente a las técnicas tradicionales de dibujo a mano. Se necesita una semana para crear una toma de cinco segundos. Si bien la animación CG ahorra tiempo y esfuerzo, no puede igualar la vitalidad y expresividad de la animación dibujada a mano. La primera es similar a un producto de una línea de montaje producido en masa, mientras que la segunda es una obra de arte con detalles elaborados por el artista. Además, en términos de color, Miyazaki busca una baja saturación, un bajo contraste, una alta pureza del color y un fuerte brillo para crear un efecto general refrescante, suave y luminoso. El diseñador estadounidense Hyo Taek Kim realizó una serie de estudios de color sobre las películas de anime de Miyazaki. Transformó las escenas clásicas en cartas de colores según el espectro de colores, lo que reveló la habilidad de Miyazaki para las transiciones y la elección de los colores más apropiados. Los colores de cada cuadro no son abrumadores para la vista y transmiten perfectamente la intención del autor. El color gris apareció en muchas escenas de "Mi vecino Totoro" (1988), que supuestamente era una película vibrante y de ritmo rápido, la cual inyectaba un toque de tristeza en el mundo mágico de los niños mientras se preocupaban por sus madres. La estética visual se ha convertido en una contemplación del estado de ánimo.
En marcado contraste con la pureza del color está la gran diversidad de "especies" en las películas de Miyazaki. Objetivamente hablando, se le podría considerar un ferviente "amante de las cosas". Devuelve la vida a las cosas en sus películas de acción real y crea vidas en sus películas animadas. Miyazaki enriquece sus imágenes con sus manos de mago y su mente inclusiva que abarca todas las formas de vida.
Sus obras incluyen no sólo los paisajes de Japón, como Kagoshima, las colinas Musashino de Saitama, el Dogo Onsen del castillo de Matsuyama, Tomonoura de Hiroshima, sino también lugares de Europa como la ciudad de Visby en Suecia y su capital Estocolmo, Collevecchio en Italia y la ciudad francesa de Colmar, Dubrovnik y la isla de Zante. Su mundo de animación abarca la belleza natural de los rododendros, las flores de los guisantes, las hortensias, las camelias, las adelfas, las azucenas rojas, las campanillas, los dientes de león, los duendes del hollín, los gatobuses, los espíritus del bosque, la fea pero de corazón puro Zeniba y Sin Rostro, y la mujer de aspecto duro pero emocionalmente amable. Incluso incluye alimentos básicos japoneses como ramen, bolas de arroz, bizcochos, tortillas de tocino, pasteles de calabaza y caballa, omurice, pescado frito, bento casero y sopas de hierbas humeantes. El festín en la casa de baños en "El viaje de Chihiro" (2001) es una escena clásica que tenta las papilas gustativas a través de imágenes y a la que nadie puede resistirse. Miyazaki incluso la denominó "gourmet 2D". En esencia, las animaciones de Miyazaki implican abundantes elementos de "quietud y multidimensionalidad", "lujo y riqueza", "Oriente y Occidente" y "antigüedad y modernidad". Las imágenes en sí mismas son una narrativa; representan una efusión de emociones; y poseen un extraordinario poder curativo. No sólo proporcionan un impacto visual sino que también ofrecen estimulación intelectual.
Temas que alternan entre la infancia y la edad adulta: sanar y desgarrarse
En una de las primeras obras de Miyazaki, "El castillo de Cagliostro" (1979), él diseñó meticulosamente una franquicia de atracos de renombre nacional, aprovechando la ola de ciencia ficción que era popular en Japón en ese momento. Sin embargo, fue un desastre de taquilla. Fue entonces cuando Miyazaki se dio cuenta de que su vocación no era producir animaciones de ciencia ficción llamativas y motivadoras de moda. Reconoció que las animaciones que presentan cosas de la vida cotidiana que podrían entusiasmar a las personas desde lo más profundo y cosas que podrían hacer que los niños se den cuenta de los paisajes aparentemente mundanos que los rodean tienen un mayor significado. A partir de ese momento, comenzó a entrelazar los recuerdos de su infancia y el mundo real en sus historias. Es bien sabido que los tres aspectos principales que influyeron profundamente la infancia de Miyazaki fueron la guerra, los aviones y su madre.
Miyazaki pertenece a una generación que experimentó la Segunda Guerra Mundial durante su infancia. Para escapar de la guerra, él y su familia se mudaron varias veces y fueron testigos de cómo la guerra provocó heridos y muertes, separó familias, generó miedo y destruyó hogares. En consecuencia, los temas de la defensa de la patria y los sentimientos acérrimos contra la guerra siempre encontraron un lugar en sus obras. A través de "El castillo en el cielo" (1986), intenta advertirnos que la gloria de la guerra y la maquinaria es pasajera debido al resultado final de Luputa. En "Nausicaä del valle del viento" (1984), las consecuencias de la destrucción imprudente de la naturaleza por parte de los humanos se describen mediante el exterminio de la civilización por el "mar de la corrupción", la contaminación tóxica y la infección de plagas que amenazan la supervivencia humana. En "Porco Rosso" (1992), un héroe condecorado de la Fuerza Aérea Italiana elige convertirse en cerdo antes que participar en la guerra en un acto de autodestrucción para mostrar su absoluta negativa a ceder ante el fascismo. En "Se levanta el viento" (2013), en el contexto del militarismo, el ambicioso sueño del protagonista de volar se convierte en una maldición. Cuanto más perfectos se vuelven los diseños de los aviones de Jirô Horikoshi, más eficientes son para matar y causar destrucción. Esto se parece a lo que J. Robert Oppenheimer, el padre de la bomba atómica, le dice al presidente Truman después del lanzamiento de las dos bombas atómicas sobre Japón: "Tengo sangre en mis manos". Miyazaki cree algo parecido: "No importa lo bueno que crea que es lo que está haciendo, si ayuda en la guerra, no puede ser inocente. Su sueño está maldito". Debido a esta película y su postura contra la revisión constitucional, algunas personas de las redes etiquetaron a Miyazaki como "traidor".
Durante ese período, su familia operaba una empresa llamada "Miyazaki Airplane". Miyazaki estaba fascinado por los aviones desde pequeño y a menudo hacía bocetos de ellos. Así, los aviones se convirtieron en una presencia mágica y omnipresente en sus obras. Personajes como Nausicaä, la bruja voladora Kiki/Ursula y Porco Rosso vuelan varios tipos de aviones. El mago Hauru puede incluso caminar por el cielo. La escena de "Porco Rosso", donde el protagonista, bajo luces tenues, selecciona cuidadosamente las balas mientras se queja de que algunas se han oxidado, se considera un momento imperdible para los entusiastas de la aviación.
La madre de Rosso padecía tuberculosis y, durante el período de posguerra, la tuberculosis a menudo se consideraba incurable. Su madre permaneció postrada en cama durante nueve años. Uno sólo puede imaginar cuántas desventuras encontraron él y su hermano mayor y cuántas lágrimas derramaron durante esos días sin madre. Como resultado, Miyazaki pasó mucho tiempo sin la compañía de su madre. En "Se levanta el viento" (2013), Naoko Satomi padece tuberculosis y debe recibir tratamiento en un sanatorio situado en la montaña. "Mi vecino Totoro" retrata directamente el miedo y el anhelo de sus hijos cuando la madre es hospitalizada. Incapaz de pensar en una solución mejor, Mei, la hermana menor, finalmente va al hospital a buscarla. Este era probablemente el deseo más desesperado que Miyazaki tenía cuando era niño, pero ¿cómo podía un niño tan pequeño encontrar a su madre? Por lo tanto, el concepto de una criatura enorme, linda, amable y de buen corazón probablemente era un amigo que cruzó por la mente de Miyazaki innumerables veces. Además, como el sanatorio de su madre estaba en el campo, Miyazaki pasó muchos años viviendo en zonas rurales. Los niños que están inmersos en el paisaje rural suelen tener una conexión más fuerte con la naturaleza y todo lo que los rodea. Esto le permitió hacer observaciones y recordar su infancia que trascendió las barreras del mundo adulto. Los niños se emocionaban cuando veían árboles grandes; creían que el maíz y las verduras eran elixires regalados por los dioses; y cuando vieron los huesos de las frutas, querían plantar árboles grandes. Cada árbol era una deidad arbórea, cada brizna de hierba un hada de la hierba y cada flor albergaba potencialmente un hada de las flores. Todo en el mundo, según ellos, era un regalo y una buena voluntad de la naturaleza. "Mi vecino Totoro" es la película más suave, sincera y encantadora de Miyazaki, en la que exhibe esta inocencia infantil hasta la médula. Cuando Mei y su hermana mayor, Satsuki, ven por primera vez su nueva casa, la primera exclama: "¡Es una casa realmente vieja y deteriorada!" Entonces, las hermanas empiezan a jugar con entusiasmo con los pilares. Así es como realmente se comportan los niños. Incluso los peligros y los miedos aumentan su alegría.
¿El mundo de Miyazaki gira en torno a su infancia e inocencia? Ciertamente no. "Nausicaä del Valle del Viento" advierte que el deseo es el comienzo del castigo. "El delivery de Kiki" (1989) afirma que la verdadera miseria es algo que no se puede compartir; sólo se soporta solo. "La princesa Mononoke" (1997) reflexiona sobre el hecho de que la vida es demasiado corta y es por eso que hay que seguir viviendo. En las animaciones de Miyazaki, todos los personajes no pueden escapar del destino de "encuentros y separaciones". Noté que sus animaciones tienen una calidad increíblemente conmovedora tanto en sus imágenes como en sus emociones. Son tan vibrantes pero tan tristes. Aunque cada película es un cuento de hadas con los niños como protagonistas, no puede escapar del hecho de que el tema solemne, tranquilo, profundo y melancólico sutilmente infundido por el autor está empaquetado como una ilusión mítica. Además, sus películas suelen concluir con finales abiertos. Cuanta más experiencia de vida tengas, más probabilidades tendrás de sentirte profundamente preocupado y emocionado al final.
Durante el estreno de "El chico y la garza" en 2023, Miyazaki expresó abiertamente por primera vez: "En varias de mis películas, he representado personajes jóvenes enérgicos, brillantes y positivos, pero en realidad soy una persona bastante depresiva. Siempre he pensado que la imagen de la "juventud" debería ser más "infantil". Deberían estar rodeados de muchas cosas en constante cambio". Miyazaki siempre, sin darse cuenta, revela la crueldad de la vida y el hecho de que la vida está determinada por el destino. En sus historias, sólo los niños, los ancianos y las rarezas, que representan la bondad suprema, son representados como buenas personas. Mientras tanto, el mundo de los adultos se presenta como repulsivo y nadie comprende su maldad mejor que él. Mientras oscila entre la realidad y la fantasía, Miyazaki debe haber tenido innumerables momentos de melancolía. Sin embargo, finalmente decide cambiar con fuerza la última parte de sus historias. Es por eso que la frase "Aunque nos separemos, estoy agradecido" sigue a la parte que menciona "encuentros y separaciones interminables". Es el resultado de sus repetidas luchas contra su época, su tiempo y su yo que envejece gradualmente. No obstante, continúa brindando alegría e inocencia a los niños y al mundo.
El sentido estético innato de Hayao Miyazaki y la era post-Estudio Ghibli
La estética de Miyazaki en las películas animadas está bien documentada, pero a lo largo de muchos años de creación, se ha acostumbrado a un método que evita guiones, ideas preconcebidas y finales predeterminados. Eligió resucitar a la oruga de su infancia en "Boro the Caterpillar" (2018) tras su séptimo retiro. La historia de la oruga en sí no es significativa. Lo que importa es la apariencia de la oruga y sus expresiones, acciones y lenguaje corporal cuando ve el mundo por primera vez. De hecho, desde "Porco Rosso", Miyazaki ha adoptado este hábito creativo de derivar la trama a partir de detalles visuales, elaborando temas dentro de la narrativa y dejando que su trabajo progrese basándose en su intuición y pensamiento emocional. Todo parece sencillo, pero es una cualidad inherente a él que ningún sucesor puede replicar fácilmente sólo mediante el trabajo duro.
Por lo tanto, en Studio Ghibli, la mayor parte del trabajo, desde la creación del guión y el diseño de personajes hasta el dibujo del guión gráfico, está dirigido principalmente por el propio Miyazaki. Bajo el antiguo “régimen totalitario”, estricto pero que confiere una gran libertad, durante mucho tiempo se le ha considerado el emperador de la animación de una nueva generación. Mamoru Hosoda, apodado el "sucesor de Miyazaki", fue rechazado cuando solicitó trabajar en Studio Ghibli. Miyazaki incluso le escribió una carta que decía: "Si ingresas al Estudio Ghibli, tu talento seguramente se agotará, así que no te dejaré pasar la prueba". Ya entendía los defectos del sistema de Estudio Ghibli, por lo que tomó la difícil decisión de rechazar a Hosoda porque sentía un profundo afecto por su hijo. Aunque su hijo, Goro Miyazaki, fue elogiado por "La colina de las amapolas" (2011), cada vez que le preguntaban sobre la posibilidad de trabajar en una película con su hijo, Miyazaki se exasperaba y respondía "no tengo ningún interés. Si no está el alma en el dibujo, prefiero no hacerlo". Como tal, el costo para que Goro creara una obra fue tres años sin hablar con su padre. En "Cuentos de terramar" (2006), el debut como director de Goro, el protagonista masculino mata a su padre en su primera aparición, dando una idea de la atmósfera opresiva dentro del estudio. El método creativo del viejo Miyazaki ha sentado las bases del modelo de producción de Estudio Ghibli: uno que valora el talento y al mismo tiempo somete a sus sucesores a una explotación y opresión extremas. Si bien se mantiene un alto nivel de coherencia en estilo y calidad, el problema de no poder encontrar un sucesor se agrava con el tiempo.
Inicialmente, el estudio planeó entregar las riendas al hijo mayor de Miyazaki, Goro, pero este último se negó rotundamente y dijo: "Es difícil que una persona se haga cargo del estudio. Es mejor que otra persona gestione el futuro de la empresa". Por tanto, el mayor problema al que se enfrentará Estudio Ghibli en el futuro es, de hecho, la falta de un sucesor. Imagínense si tuviera un heredero fuerte en este momento; él o ella sería otro "Hayao Miyazaki" y la continuidad del estudio no sería una preocupación. Sin embargo, la sucesión de un estudio de producción de televisión japonesa es similar a la repentina asignación de un artista a un manager. Sin duda, habría que considerar los costos, el tiempo y la rentabilidad. Los actores de la industria especulan que Estudio Ghibli podría producir animaciones serializadas en el corto plazo y fomentar nuevos talentos en esta área. Para evitar caer en la trampa del capitalismo, el Estudio acabará convirtiéndose en un recuerdo de la infancia, y el reino de Miyazaki se irá desvaneciendo poco a poco cuando su vida llegue a su fin. Me entristece un poco escribir sobre esto, pero afortunadamente, Miyazaki realmente puede retirarse esta vez, ¿no? Le agradecemos su compañía; esos cálidos momentos que nos ha traído permanecerán siempre verdes, como flores frescas y gotas de rocío, e iluminarán el período fugaz de los años que nos quedan. ¡Adiós, Hayao Miyazaki!
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