¿Qué pasaría si nunca pudieras volver a ver otra obra maestra de Hou Hsiao-hsien?

El 24 de octubre, el sitio web de cine Indiewire informó que el director Hou Hsiao-hsien se retiraría debido a padecer demencia. Poco después de la publicación, su familia emitió un comunicado oficial confirmando la noticia.

Los fanáticos escucharon algunos rumores sobre su posible retiro, pero cuando se confirmó oficialmente, se sintieron extremadamente tristes; por lo tanto, "La asesina" probablemente será el trabajo final de su carrera como director. La discusión de hoy se centrará en esta película y profundizará en la filosofía creativa poética y el mundo cinematográfico único de Hou Hsiao-hsien.

Lo que importa no es el significado, sino el momento

A finales de 2009, durante la preparación de "La asesina", Hou Hsiao-hsien le concedió varias entrevistas al renombrado sinólogo Michael Berry, que luego fueron recopiladas en un libro – que, curiosamente, reveló la frustración de Berry durante estas entrevistas; por ejemplo, Berry le preguntó a Hou Hsiao-hsien sobre la imagen de las vías del tren que aparece a lo largo de su filmografía, sugiriendo que podría considerarse una firma de su obra; la respuesta fue: "No pienso en eso cuando hago una película. Se trata del presente – y añadió – ​​Los trenes son importantes en mis recuerdos. Cuando era niño, me descomponía en los autobuses y solía vomitar, le tenía mucho miedo al olor a gasolina. Pero cuando salí de Fengshan, tuve que tomar el tren para ir a cualquier parte. Me encantaba el ritmo. En el tren, puedes soñar y pensar en muchas cosas, lo cual es fascinante".

Berry fue persistente; mencionó que en la película "Polvo en el viento" las vías del tren simbolizaban un túnel del tiempo que permitía a los personajes viajar al pasado. Hou Hsiao-hsien respondió que las huellas eran importantes porque guardaban la memoria de un lugar específico; señaló: "El ferrocarril fue construido principalmente para minas de carbón porque fueron construidas por una empresa minera privada durante la ocupación japonesa. Era muy bonito en aquella época, con estaciones pequeñas, incluso los andenes eran de madera. Los conductores paraban el tren y las amas de casa que estaban a lo largo de las vías salían y les daban carne de cerdo para que se la dieran a alguien, y luego el tren continuaba. A menudo paraban para recoger y dejar pasajeros”.

Aunque un poco frustrado, Berry destacó que las imágenes del director no siempre estaban directamente relacionadas con la trama; a veces estaban influenciadas por la propia ubicación. Lo que distingue a Hou Hsiao-hsien es su método práctico, que enfatiza la esencia del momento; su arte gira en torno a capturar la “energía” dentro de una imagen.

El enfoque de Hou Hsiao-hsien se centra en la poesía: captura imágenes y escenas que exudan energía y significado. En sus películas, estas imágenes no son sólo herramientas para transmitir narrativas o metáforas, sino que existen por su valor y propósito intrínsecos.

Su trabajo se caracteriza por una asociación no lineal, no narrativa y no metafórica, que lo distingue de muchos otros directores. Abraza la esencia del cine, centrándose en lo visual y el momento inmediato.

Al hablar de "Ciudad doliente", Hou Hsiao-hsien explicó: "Para mí, se trata de estar en el lugar y sentirlo. Se trata de imaginar una imagen, el estado de la imagen, y luego capturarla desde un cierto ángulo en el lugar". "A veces se trata de sonido, a veces se trata de líneas o movimiento. Para mí, el sonido es poderoso. Por ejemplo, si no hay ningún tren en el encuadre, puedo filmar un poste de telégrafo y el sonido de un tren que pasa es suficiente".

Este enfoque resume la “poética” de Hou Hsiao-hsien; selecciona elementos para incluir en sus escenas en función de su energía y relevancia intrínsecas. Sus imágenes y escenas sirven más como un destino que como un medio para transmitir un mensaje.

Su enfoque único hacia el cine se estableció cuando se dio cuenta de que podía capturar el mundo tal como él lo veía, en lugar de adherirse a una narrativa lineal o significados predeterminados.

Nie Yinniang es Hou Hsiao-hsien

Hou Hsiao-hsien afirmó: "Solía ​​trepar a los árboles para recoger mangos, pero tenía que tener cuidado de no quedar atrapado. Siempre estaba consciente de lo que me rodeaba. En ese momento, sentí como si el tiempo se hubiera detenido porque estaba muy concentrado. Podía escuchar las cigarras, el viento, el susurro de los árboles y la gente que pasaba." En "Un verano en casa del abuelo", hay una escena en la que Tung-Tung ve un hermoso árbol y trepa a él, alcanzando grandes alturas; cuando un loco se acerca y su amigo se va, él permanece allí, sin moverse: el mundo de los arrozales y las llanuras se heló en ese momento.

En otra declaración, Hou Hsiao-hsien habló sobre su interés por las semillas: se maravilló de sus diversas formas y las comparó con alas o caras. Su fascinación surgió de su experiencia infantil, sentado en el tren, y la sensación de ver y sentir todo con gran curiosidad.

Hou Hsiao-hsien describió sus películas como centradas en el presente y los sentimientos. Consideró la experiencia sensorial y la energía de una escena, ya sea a través de sonidos, palabras o acciones. El sonido, en particular, tuvo un impacto profundo: a menudo relataba cómo su fascinación por los trenes se inspiraba en el ritmo del viaje y el ensueño que éste proporcionaba.

Según recordó, optó por filmar lo que le dictaba el momento y sus sentimientos. En lugar de centrarse en la trama, enfatizó la experiencia y el impacto emocional del entorno. Su cine refleja un estado del ser: imaginó una escena y le dio vida, captándola desde diferentes ángulos; El sonido, la atmósfera y las emociones fueron más cruciales que las narrativas lineales. Su producción cinematográfica fue un reflejo del momento presente, sentido en cada fibra de su ser.

En este contexto, las películas de Hou Hsiao-hsien son el resultado de su enfoque espontáneo y actual. Prefería experimentar el presente y los sentimientos en lugar de adherirse a significados o narrativas preconcebidas. Su trabajo, al igual que sus recuerdos de trepar a los árboles, ofrecía una profunda sensación de concentración, a medida que el momento cristalizaba y revelaba las sutilezas de la existencia.

En "La asesina", Nie Yinniang usa un árbol como su principal escondite. Lo que la distingue como asesina es su capacidad para operar en cámara lenta, capturando los detalles más delicados del momento presente.
Elegir la historia de Nie Yinniang no es sólo porque es un buen cuento wuxia, sino porque se alinea con su perspectiva única del mundo: encarna su forma de ver el mundo: centrado en el presente, atento a los detalles y rodeado de sonidos e imágenes. y sentimientos. En este sentido, Nie Yinniang es un reflejo del propio Hou Hsiao-hsien.

Ciertas cosas requieren imaginación para completarse

"La asesina" tenía un guión original, pero Hou Hsiao-hsien elaboró ​​una película que se desvió significativamente de él. En comparación con el guión, el producto final presentó reducciones sustanciales en términos de contexto histórico, tiempo, política, relaciones y conflictos. Sin embargo, si dejas de lado el guión y te concentras únicamente en la película en sí, te darás cuenta de que el trabajo de Hou Hsiao-hsien no es tan enigmático como algunos afirman; después de todo, esta historia fue concebida desde su mente.

La película no necesita tanta interpretación como la gente piensa y no es necesario leer nada antes de verla. Las acusaciones de que Hou Hsiao-hsien ignora la experiencia del público son infundadas: "La asesina" es una película que exige atención y compromiso, pero no pereza. Espera que mires con atención, recuerdes lo que viste y no dependas de la sobreexposición de las imágenes. Necesitas saber quién es quién y sus relaciones, y comprender las conexiones entre escenas.

A pesar de sus escasos diálogos, la película tiene una narrativa estructurada y rica. La mayor parte de la información vital y tácita es visible en las imágenes, por lo que no es tan intrigante como algunos dicen y no es necesario consultar fuentes externas antes de verlo. En cambio, debes ser un espectador comprometido, prestando atención a las conexiones y relaciones.

Una de las escenas principales es la batalla entre Nie Yinniang y el peculiar Jing, que deja perplejos a muchos espectadores. La película no explica quién es Jing, de dónde viene ni sus relaciones con otros personajes; ni revela por qué busca a Nie Yinniang o por qué entran en combate. Sin embargo, el desconocimiento de estos detalles no impide comprender el triple significado de esta lucha.

En primer lugar, cuestiona la percepción de la existencia del asesino, recordando que incluso aquellos que son hábiles en el manejo de armas mortales no están exentos de convertirse en objetivos. La dualidad de la vida y la muerte añade complejidad a la vida de los asesinos.
En segundo lugar, la escena representa un estilo de combate puro y minimalista, en consonancia con el enfoque del asesino: no hay movimientos superfluos, técnicas complejas ni conflictos prolongados. En cuestión de movimientos, los dos personajes evalúan las habilidades del otro, determinan la victoria o la derrota y deciden si se matan o se perdonan mutuamente; el combate es un reflejo directo de los métodos del asesino.

"La asesina"

Por último, refleja el carácter no letal de los conflictos en el reino animal. En la mayoría de las disputas entre animales, las muertes son raras: generalmente terminan en un momento crucial, cuando una de las partes decide ceder; esto refleja la restricción instintiva que gobierna las interacciones dentro del reino animal. La ausencia de enfrentamientos letales entre miembros de una misma especie está impulsada por mecanismos evolutivos, que ocurren en muchos entornos naturales.

La escena ejemplifica el enfoque del asesino, ofreciendo una representación intrigante, poética y ambigua del combate; desafía la típica representación de peleas en el cine e ilustra la moderación y precisión características de los asesinos.

En "La asesina", el escenario histórico es la dinastía Tang, conocida por su naturaleza poética y expresiones minimalistas. La película se basa en la brevedad y la sutileza para transmitir emociones profundas y elementos narrativos críticos. La ausencia de exposición directa anima a los espectadores a participar activamente y utilizar su imaginación.

Sin embargo, hay ciertas emociones y experiencias que los observadores pasivos no pueden comprender completamente, así como también profundos y dramáticos puntos de inflexión. Sólo cuando se despierta la curiosidad, el interés y la empatía de una persona se entra en este contexto emocional, para ver, oír, tocar y conmoverse profundamente, viajando a los lugares más oscuros y profundos.

Para pasar de una postura pasiva a una activa, un método eficaz es ayudar a los lectores y espectadores a comprender que no todo lo que es significativo debe expresarse explícitamente en el texto o representarse en la pantalla. Parte del contenido permanece fuera del marco, no dicho o no escrito, y este contenido puede ser más crítico y emotivo que el material cuidadosamente seleccionado que se presenta.