Luego de ver un año de películas de cine arte, estoy tranquilo: el cine no morirá en el futuro próximo.

Con el fin de la pandemia global, el ambiente del cine arte volvió otra vez a su vivaz y animado estado. Frente al golpe doble del ataque de las películas comerciales y los videos cortos, las películas de cine arte sobrevivieron exitosamente y ganaron una nueva vitalidad. Esto también convenció a los amantes del cine como nosotros que las películas de cine arte, como una forma de arte, no morirán en el futuro próximo. Ahora revisaremos en detalle las obras maestras artísticas memorables y representativas de este año desde varios aspectos, en su mayoría, películas centradas en mujeres, documentales, obras de directores prestigiosos y también películas de personas nuevas de la industria.

Está confirmado, los hombres realmente no se dan cuenta

No existe una definición clara de lo que es una “película centrada en mujeres” así que la daré ahora. Cualquier película que tenga una directora (o productora), que se enfoque en historias de mujeres o que se vea desde una perspectiva femenina puede considerarse una “película centrada en mujeres”.

En el año 2023 se estrenaron muchas películas centradas en mujeres de las que vale la pena hablar. Algunos de los creadores son rebeldes prometedores mientras que otros son cineastas que ya se encuentran bajo el foco. Independientemente de esto, todos se comprometieron a hacer más películas innovadoras centradas en mujeres y ampliar el desarrollo de dichas películas en los últimos años.

La película centrada en mujeres más importante de este año (2023) es, sin dudas, Anatomía de una caída, que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes. La directora francesa Justine Triet fue nominada una vez por El reflejo de Sibyl para el mismo premio. Sorprendentemente, ganó el premio con su segunda nominación. Ella es realmente una prometedora directora joven.

Anatomía de una caída cuenta cómo una pareja y su hijo ciego pasaron un año en una cabaña aislada. Un día, el esposo aparece muerto fuera de la casa y la policía comienza a investigar este posible homicidio inmediatamente. Bajo ciertas circunstancias, se culpa a la esposa y se genera la siguiente pregunta: ¿fue un suicidio o un homicidio? Un año después, el hijo testifica en el juicio de su madre y esto muestra un análisis verdadero de la relación de sus padres.

Lo más innovador de la película es la forma en la que se usa la perspectiva de un juicio con suspenso para mostrar el dilema por el que pasan las mujeres en relaciones íntimas. Al mirar la película, puede que al comienzo la audiencia se preocupe más por conocer la identidad del homicida y las causas de la muerte del esposo. Sin embargo, a medida que la historia avanza, gradualmente descubrimos que la verdad no es tan importante. Lo que es más importante es cómo un supuesto matrimonio armonioso puede deteriorarse y forzar a una pareja a convertirse en enemigos. Las mujeres se encuentran en una situación particularmente incómoda en las relaciones íntimas y, en esta película, se critica fuertemente a la hipocresía y cobardía masculina, aunque la película no lo grita a los cuatro vientos para que todo el mundo lo escuche como lo hizo Barbie. En su lugar, pone a la audiencia en los zapatos de la protagonista, lo que permite empatizar de forma más profunda y adentrarse más a la historia. Le da a la audiencia la oportunidad de ver cómo se siente realmente ser el foco de la crítica pública.

Es incluso más gratificante que Pobres criaturas, un éxito en el Festival de Cine de Venecia, fuera igual de exitosa al contar una historia femenina a pesar de que la dirigió un hombre, Yorgos Lanthimos. Bella, interpretada por Emma Stone, es una versión femenina de Frankenstein caprichosa, hipersexual y libre. Ella se ahogó a sí misma para escapar de su abusivo esposo, pero un científico reemplazó su cerebro con el de su bebé vivo y la resucitó.

Esta es una historia extraña que combina elementos del realismo, la fantasía y la ciencia ficción, pero se enfoca esencialmente en el crecimiento y despertar de la conciencia de las mujeres. Se expande de forma horizontal y vertical y muestra desde la niñez hasta la adultez de la mujer. Además, analiza la vida de una mujer desde varios aspectos como la psicología, la filosofía, los deseos sexuales, las emociones y las formas de mirar el mundo.

Por si fuera poco, películas como La chimera usan una narrativa como la de una fábula para describir la psicología femenina, Tiger Stripes usa el lenguaje audiovisual para narrar la historia de la dolorosa adolescencia de una chica y Vidas pasadas es una historia sobre mujeres dirigida por una mujer. Las directoras de América Latina también son asiduas. Hay dos películas de directoras latinoamericanas preseleccionadas para la competencia principal de Berlinale (20.000 especies de abejas y Tótem). Ambas películas muestran este mundo complejo desde la perspectiva de una niña. Se seleccionó a actrices principiantes, lo que hizo difícil la grabación, pero los resultados finales fueron muy satisfactorios.

Las películas narrativas son tan malas que es mejor ver documentales

En los últimos años, la creación de documentales experimentó una tendencia de recuperación a nivel mundial. Se vivió un cambio icónico en el Festival de Cine de Venecia de 2022 cuando se le entregó el León de Oro al documental La belleza y el dolor. El aumento de documentales puede, en cierta medida, relacionarse con los defectos de las películas narrativas. Es difícil innovar en películas narrativas, en especial, con guiones originales. Por lo tanto, todos los países luchan por comprar guiones exitosos para adaptar o rehacer. Sin el trato y la posición que merecen en la industria, los guionistas se trasladan a otros campos. Aquí es cuando se hace hincapié en la importancia de los documentales.

En el Festival Internacional de Cine de Berlín de este año, el maestro francés de los documentales Nicolas Philibert regresó con su última obra, En el Adamant. Esta película se enfoca en un centro psiquiátrico llamado L'Adamant ubicado en el Sena en el centro de París que les da la bienvenida a adultos con trastornos mentales y les otorga cuidado en el lugar para ayudarlos a rehabilitarse o mantener su estado mental.

Lo interesante de esta película es que rompe las barreras entre el espacio y el sujeto narrativo. Aunque la película muestra las vidas de pacientes, no los retrata como miserables ni los demoniza y, en su lugar, muestra sus interesantes vidas diarias. Al mirar esta película, es probable que la audiencia se pregunte: ¿están realmente enfermos?, ¿es posible que ellos sean normales y nosotros los que realmente estamos enfermos?, ¿quién define quién es normal y quién está enfermo? Estas narraciones cómicas y naturales de la vida diaria muestran realmente las habilidades de Philibert. Fue una agradable sorpresa que el Berlinale al final premió a esta película con el Oso de Oro y, así, remarcó la importancia y el reconocimiento de los documentales dentro de la industria.

Otra sección importante del Festival Internacional de Cine de Berlín es “Encuentros”, que galardonó con el premio a mejor director a Tatiana Huezo, una mujer mexicana, y aseguró otra victoria para las creadoras latinoamericanas. La nueva película de Huezo es un documental llamado El eco, que ocurre en el lejano pueblo mexicano El Eco y muestra cómo los niños del valle viven en la pobreza y enfrentan dificultades reales. Aquí, donde la tierra está plagada de escarcha y sequías, los niños cuidan ovejas y a sus abuelas mayores y aprenden a entender la muerte, las enfermedades y el amor de cada palabra y silencio de sus padres. Es un documental tranquilo y objetivo que también muestra la ternura y la compasión de Huezo como mujer.

Por supuesto que la duración más larga y el tiempo de espera hacen que grabar un documental sea mucho más difícil que grabar una película narrativa. Por ejemplo, Youth de Wang Bing, que fue nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2023, también es un documental que tuvo un impacto significativo a nivel mundial ese año. Wang pasó cinco años grabando esta película mientras expresa sus visiones creativas a través de ella, “No me interesan las narrativas grandes. Aunque Youth es tan pesada como un documental de 30 horas que involucra a decenas de personas, no significa que no sea épica. Es solo una oda de la vida que nos dice que respetemos a cada persona. Las personas pueden vivir vidas importantes incluso en sus momentos más difíciles”. Vale la pena alentar por una actitud tan sincera relacionada con la creación.

Mover a los prestigiosos directores de sus pedestales y, en su lugar, enfocarse en los “perdedores”

En 2023, el regreso de muchos maestros cinematográficos familiares nos dio obras de diferentes calidades. Por ejemplo, los tres importantes directores Martin Scorsese, Roman Polanski y Woody Allen, estrenaron nuevas obras este año. Los asesinos de la luna es una de las mejores con calidad asegurada, aunque muchos espectadores piensan que no hay nada muy innovador ya que Scorsese mantuvo su estilo consistente. Sin embargo, películas como The Palace y Golpe de suerte no recibieron comentarios tan ideales. La audiencia global se está desencantando gradualmente de los grandes directores y no bajará sus estándares por popularidad o establecimiento.

En contraste, algunos jóvenes directores produjeron buenas películas este año. Todas se enfocan en aquellos “que no viven una buena vida”: desde la perspectiva de la clase baja. Por ejemplo, la nueva película Monstruo del director japonés Hirokazu Kore-eda cuenta la historia de un pacífico pueblo con un paseo lacustre, donde las estables vidas de una madre soltera que ama a su hijo, un directo profesor al que le importan sus estudiantes y niños inocentes sufren un giro cuando un conflicto se vuelve un alboroto social y llama la atención de los medios y la sociedad. Cuando la situación empeora, una tormentosa noche, ambos niños desaparecen.

Por lo tanto, se relata un bizarro incidente desde los puntos de vista de la madre, el profesor y los niños. Este es el intento de Kore-eda de innovar, aunque en muchas de sus obras pasadas también se usan perspectivas de niños, el suspenso nunca fue tan fuerte como en esta película. Además, el accidente se filmó tres veces desde puntos de vista diferentes, lo que requiere un buen control de la trama general y el ritmo. El foco final en el floreciente e inocente amor homosexual entre los dos chicos de clase baja que surge por su consuelo mutuo es un elemento que raramente apareció en las películas anteriores de Kore-eda.

Perfect Days es la obra que el famoso director Wim Wenders creó al darle un vistazo a la sociedad japonesa. Esta película lleva el minimalismo al extremo. El protagonista interpretado por Kōji Yakusho es un limpiador de baños que está satisfecho con su vida laboral ordinaria y sistemática y también le encantan la música, los libros y tomar fotografías de árboles. Esta película no tiene ningún tipo de conflicto mayor, simplemente es la repetición del protagonista que se levanta todos los días, se arregla, va al trabajo a lavar baños, termina y se duerme. Sin embargo, a la audiencia no le pareció aburrida ya que podía sentir que los innumerables ciudadanos ordinarios sin nombre pueden vivir vidas igualmente interesantes. La actuación de Kōji Yakusho también es algo increíble que le ganó el premio a mejor actor en el Festival de Cine de Cannes de 2023.

Además, la nueva obra de Aki Kaurismäki llamada Hojas de otoño, Cielo rojo de Christian Petzold, Suzume de Shinkai Makoto y Music de Angela Schanelec son diferentes. Algunas sustraen de su forma, algunas sustraen de su trama, algunas usan las relaciones humanas más simples para ilustrar los problemas societales complejos mientras que otras profundizan en los elementos del género. Sin embargo, lo único que se muestra al final es el amor más simple entre las personas y la verdad. Diría que, gracias a estos directores creativos, el campo del cine arte no decepcionó. Además, al enfocarse en las vidas de la clase baja, ellos también revelaron una fuerte sensación de cuidado humanístico y detalle humano.

La pandemia terminó, pero, ¿el mundo estará bien?

Entonces, ¿qué hacen en realidad los jóvenes directores que recién comienzan? De hecho, con sus películas podemos dar un vistazo a la exploración, el enojo, la inquietud y la incomodidad que rara vez se ven en las películas de muchos predecesores o importantes directores.

Por ejemplo, la película chilena Los colonos de este año (2023), que fue bien recibida y preseleccionada para la sección de Cannes “Un Certain Regard”, cuenta la historia de Tierra del Fuego de Chile en la punta más sur de América del Sur en 1901, donde un rico empresario español es dueño de muchas tierras y construye cercas para pastar a sus ovejas. Sin embargo, los indígenas que viven allí desde hace mucho tiempo no entienden el concepto capitalista de la propiedad privada y cazan a sus ovejas sin autorización, lo que enfurece al rico propietario. Entonces, el empresario contrata a un antiguo funcionario cruel británico, un mercenario estadounidense y a un mestizo chileno local como guías para crear un camino seguro hacia la costa.

La película es una presentación muy intuitiva y brutal de la historia del colonialismo violento. Toda la película es prolija, nítida y tiene una estructura narrativa completa. Es difícil creer que esta es la primera obra que Felipe Gálvez dirige, que también muchos críticos cinematográficos consideran como una de las películas latinoamericanas más importantes del año. De hecho, muchos directores preferirían evitar tratar temas tan importantes como el nacimiento de un país, pero el joven Gálvez, que nació en los años 80, fue directo a eso y lo abordó con éxito.

Phạm Thiên Ân de Vietnam dirigió Inside the Yellow Cocoon Shell, que ganó la Cámara de Oro en el Festival de Cine de Cannes. La película narra la historia de una misteriosa peregrinación a zonas rurales en Vietnam y explora su minoría cristiana poco conocida. Por supuesto que esta película también generó mucha controversia. Algunos dicen que esta película está muy influenciada por Apichatpong y Bi Gan debido a la gran cantidad de tomas largas que se usan en ella. Sin embargo, a diferencia de estos dos actores, podemos sentir claramente la confusión, la inquietud y los sentimientos de pérdida de los jóvenes en la humedad de Vietnam a través del lente de Phạm Thiên Ân. Esta puede ser una de las razones por la que está película es tan encantadora.

Otra obra de un principiante que creó mucho debate alrededor del mundo es Here, ganadora de la sección “Encuentros” en el Berlinale 2023 y dirigida por el belga Bas Devos. Esta película va incluso más allá que Inside the Yellow Cocoon Shell, casi abandonando las narrativas convencionales cinematográficas mientras amplifica los elementos más primitivos del arte visual como el sonido, la luz y las tomas de escenarios. En esencia, es una crítica de los humanos modernos que van en contra de la naturaleza y una llamada para volver a ella. No nos sentiremos en paz luego de verla, sino que sentiremos la inquietud que el director quería transmitir.

Naturalmente, estas emociones también se deben a la llegada y el final de la pandemia. No se puede negar que la pandemia dio un giro a la cultura y creación global. También vimos un gran número de creadores jóvenes que usan la pandemia como un fondo en sus creaciones y el más memorable de ellos es el director rumano Radu Jude, ganador del Oso de Oro en 2021. Su nueva película Do Not Expect Too Much from the End of the World combina varios fenómenos actuales como la pandemia, los videos cortos y la desesperación y el pesimismo de la sociedad y los muestra todos a través de su usual estilo académico de debate. Aunque para algunos pueda parecer un retroceso, la audiencia que sí pueda entenderla seguramente le parecerá audaz y nueva.

En conclusión, las películas de cine arte globales de 2023 muestran una tendencia al tener creadores más jóvenes y más diversidad. Por supuesto que esto también se relaciona con la forma en que los videos cortos afectan a las películas de arte cine. La audiencia actual se acostumbró a mirar las obras en fragmentos y con la evolución de la inteligencia artificial, los directores se volvieron prescindibles. Lo que los creadores pueden hacer es invertir en el afecto que la inteligencia artificial y los algoritmos de máquinas no pueden lograr. Esperemos que podamos ver más películas de cine arte cálidas y realistas con las que podamos conectar emocionalmente en 2024.