El 74º Festival Internacional de Cine de Berlín concluyó oficialmente el 25 de febrero de 2024. Como es bien sabido, los tres principales festivales de cine europeos cuentan cada año con secciones competitivas dedicadas a temas LGBT. Entre ellos, el Festival Internacional de Cine de Berlín se destaca como uno de los eventos cinematográficos más importantes de Europa, conocido por su marcada postura política. El festival de este año invitó a políticos de extrema derecha de Alemania, lo que contribuyó a su atmósfera políticamente cargada.
Las nominaciones a los premios Teddy en la Berlinale de este año incluyeron 16 largometrajes. "Teaches of Peaches" se llevó el título de Mejor Película Documental. Por su parte, el Premio del Jurado recayó en "Crossing", el último trabajo del director de "Sólo nos queda bailar". La categoría de Mejor Cortometraje premió a "Grandmamauntsistercat". Este artículo se centra en las tres películas nominadas al premio Teddy en el Festival Internacional de Cine de Berlín.
"The visitor"
El cineasta canadiense Bruce LaBruce, conocido por su enfoque vanguardista de los temas LGBT, presentó su última película experimental, "The Visitor", en la Berlinale de este año. El título de la película es un reflejo literal de su trama, que sigue a un refugiado, interpretado por un actor negro (que potencialmente simboliza a los refugiados post-Brexit), que es metido en una maleta y arrastrado hasta la orilla del Támesis en Londres. Este evento trastoca la vida de una familia blanca de clase media. La película emplea una narrativa sencilla de "intrusos", centrándose en una serie de secuencias visuales artísticas con carga erótica, intercaladas con lemas y propaganda. Cada encuentro sexual explícito sirve para alterar por completo el orden de cada miembro de la familia.
La película es una nueva versión directa de la película "Teorema" de 1968 del director de vanguardia italiano Pier Paolo Pasolini. "The visitor" sigue la estructura narrativa básica de "Teorema", donde un visitante entra en una casa (una esposa, un marido, una hija, un hijo y una criada) y "cada uno se somete al enredo de almas y deseos que trae el visitante. " Esta no es la primera incursión de LaBruce en los remakes cinematográficos; En 2005, su "Super 8½" rindió homenaje a "8½" de Federico Fellini.
Para el cine LGBT, el collage posmoderno, la imitación, el homenaje y la autorreflexión son caminos creativos cruciales. Como LaBruce menciona, la generación de cineastas de la época de Pier Paolo Pasolini no solo eran artistas sino también figuras políticas de izquierda radical que encarnaban el activismo político LGBTQ con el que LaBruce se identifica. Su trabajo y su vida personal reflejaron sus creencias políticas, y Pier Paolo Pasolini también mostró interés en fuerzas políticas extremas como el fascismo. Al mismo tiempo, siguió siendo un marxista acérrimo y un ateo de toda la vida con un gran interés en la religión.
LaBruce también le rinde homenaje al fallecido cineasta experimental underground estadounidense Kenneth Anger, honrado en su película "Hustler White". Los experimentos cinematográficos surrealistas estadounidenses de posguerra de Anger, ahora a menudo etiquetados como "películas fetiche", no logran captar plenamente su significado en el contexto específico de esa época: una era anterior al SIDA. La estética fetichista/simbólica, la marginalidad clandestina, la estética nazi (siendo la homosexualidad una de las identidades de víctima más destacadas del nazismo), los intereses homosexuales, entre otras temáticas, están todos entrelazados. Sin mencionar el impacto del arte pop de Andy Warhol en la cultura occidental moderna.
Es conmovedor que LaBruce, quien se dedicó a las revistas punk LGBT en la década de 1990 y décadas de cine clandestino, mantenga casi por sí solo la tradición del cine LGBT clandestino. Este camino de creación, que no se ajusta al actual movimiento cinematográfico comercial ni a las reglas del sistema del cine artístico, se adapta más a las exposiciones en galerías de arte. Mientras directores abiertamente homosexuales como Todd Haynes y Gus Van Sant continúan trabajando en películas artísticas y proyectos convencionales de Hollywood, LaBruce sigue orgulloso de su identidad como cineasta clandestino. Sin embargo, cree que con el cambio en el paradigma cultural, ya no existe lo que se llama "clandestinidad". "Una nueva generación nace en una realidad gobernada por corporaciones, lo que para una generación es una maldición, algo llamado 'capitalismo tardío', que lleva todo a la decadencia".
"The Visitor" es sin duda una película sobre "lo erótico", como dice LaBruce, "la pornografía de consumo ha diluido el significado político de la pornografía", lo que lleva a la distinción entre "arte erótico" y "pornografía artística". Por el contrario, anteriormente la pornografía era inherentemente arte político. También afirma que la pornografía es simplemente un medio y, de hecho, detrás de sus imágenes se esconde su contemplación de la política británica: refugiados, colonialismo, cultura puritana, discriminación racial, la crisis de los valores familiares de la clase media blanca y más.
El cine LGBT nunca se trata solo de la identidad LGBT en sí misma. Algunos podrían preguntarse por qué resaltar los valores de las minorías no traería una crisis más significativa a un mundo en decadencia. Pero quizás este sea un caso de inversión de causalidad. Es precisamente debido a la drástica crisis global que resaltar los valores reprimidos del pasado se convierte en una posible opción para reparar el mundo.
"Reas"
El segundo largometraje de la escritora y cineasta argentina Lola Arias, "Reas", rompe las convenciones del cine documental. El título "reas" se refiere a las prisioneras, un término que también se utiliza para describir a mujeres o prostitutas promiscuas o perezosas. La película gira en torno a mujeres y personas transgénero detenidas en varias prisiones de Buenos Aires, Argentina, recreando escenas de sus vidas pasadas en la cárcel e intercalando actuaciones musicales de su banda.
La película casi encarna un realismo visual simple y sin adornos. Sin embargo, emplea el lenguaje visual principal de las películas narrativas de ficción: composiciones estables y simétricas, personajes colocados en el centro del encuadre y construcciones visuales y auditivas meticulosas. Cada segmento de actuación musical va acompañado de música similar a los musicales típicos.
Esta es una elección contraestética. Desde que la tecnología digital revolucionó la cinematografía, buscar un realismo de estilo documental en películas narrativas de ficción se ha convertido en una elección estética cliché. "Reas" elige recrear la vida de las prisioneras en prisión utilizando el lenguaje de las películas narrativas de ficción, que es esencialmente lo que originalmente significaba "documental": recreación. Después de todo, "el documental no necesariamente presenta más hechos que ficción". Las narrativas filtradas y destiladas mediante selección pueden revelar más hechos que la documentación mecánica.
"Young hearts"
El director Anthony Schatteman, conocido por su participación en cortometrajes sobre temas LGBT en Europa, lleva su largometraje al escenario del Teddy Award de Berlín. "Young Hearts" es una pieza conmovedora pero brutal, que exuda la confusión de la adolescencia.
Sin embargo, parece que las películas LGBT que siguen el camino de las emociones delicadas han desarrollado una fórmula en los últimos años. Al superponer la estructura narrativa típica de las películas sobre la mayoría de edad, uno se pregunta si se trata de representaciones sinceras de experiencias de crecimiento autobiográficas o simplemente de inercia creativa. Desde la ganadora del Premio del Jurado de Cannes de 2022, "Close", hasta el aclamado nuevo trabajo de Hirokazu Kore-eda, "Monster", esa estética narrativa y visual parece demasiado familiar.
"Young Hearts" cuenta la historia de un chico de un pequeño pueblo que se enamora del chico de al lado que acaba de mudarse. El primero se encuentra en medio de una confusión sexual, incapaz de confirmar su identidad sexual. Al mismo tiempo, este último proviene de un entorno familiar y educativo más abierto, con experiencias emocionales ajenas a su edad. El conflicto de la película surge de la dinámica de estos personajes.
La crueldad de la película carece de un sentido de insensibilidad y su ternura no resuena profundamente. La reconciliación al final se siente como una decepción, desinflando toda la historia. Si bien "Close" y "Monster", como se mencionó anteriormente, no son obras maestras impecables, sus narrativas trágicas dejan una sensación persistente de calidez y brindan más espacio para el discurso público a través de los arrepentimientos y los problemas sin resolver que dejan atrás.
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