Amarcord de Fellini (1973): Yo Recuerdo... 

Junto a la idea de “felliniano”, de “paparazzo”, de “dolcevita”, otro impacto que tuvo el gran director de Rímini en la lengua italiana ocurrió con el estreno de "Amarcord," que ya cumplió más de medio siglo de existencia. En dialecto romañol significa "yo recuerdo" y en el lenguaje cotidiano se ha convertido en sinónimo de evocación nostálgica del pasado.

Históricamente se considera "La dolce vita" (y con razón) el largometraje más famoso del cineasta, aunque estuvo lleno de polémicas, invectivas y acusaciones de inmoralidad, y ganó "solo" la Palma de Oro en Cannes. Su autor ganaría la impresionante cantidad de cuatro premios Oscar al mejor film extranjero a lo largo de tres décadas, pero no con su obra más famosa.

Los premiados serían "La strada" (1954), "Las noches de Cabiria" (1957), "8 ½" (1963) y, precisamente, "Amarcord" (1973), probablemente también el último verdadero gran éxito del Maestro, a pesar de que algunas obras posteriores confirmaron aún más su estatura como artista icónico y paradigmático.

La historia, ambientada en los años treinta, cuenta de manera coral (algunos podrían atreverse a decir "altmaniana," aunque el director estadounidense probablemente fue influenciado por la narrativa del colega premiado) un mundo ya olvidado salvo por aquellos que fueron jóvenes en esa época. Se concentra en las pulsiones, principalmente eróticas, de muchos de los protagonistas, en personajes decididamente improbables pero inolvidables, mezclando circunstancias que parecen reales y oníricas a la vez, y esculpiendo tipos de sujetos únicos, todos centrados en una especificidad comportamental, pero todos unidos por la idea de sexualidad a menudo reprimida y en cualquier caso por un profundo provincialismo.

El hecho de que sea difícil identificar a un protagonista claro es una prueba de la naturaleza coral de la obra. Gana el conjunto, aunque en lugar de ser una tragedia, es fundamentalmente una comedia. "Amarcord" ofrece una mirada divertida, nostálgica y poética a un pasado que parece remoto, pero que en realidad no lo es tanto. El cine de Fellini se caracteriza por sus rostros y situaciones, y entendiendo esto, se comprende por qué se recurre principalmente a actores de reparto.

Iluminado por Giuseppe Rotunno y musicalizado por Nino Rota, el filme fluye tranquilo y distante de la imponencia del transatlántico Rex, símbolo de una grandeza que la Italia de la época buscó en vano, el perfecto contraste con las pequeñas cosas que hicieron mítica la vacuidad de la provincia. En una mezcla cuidadosamente calculada de tonos serios y ligeros, con giros repentinos hacia lo irónico y lo caricaturesco, "Amarcord" crece y matiza las sombras, las limpia de cualquier rastro realista y las mueve al terreno de la leyenda.

Fellini en realidad quiso enfrentarse al subconsciente no resuelto de algunas generaciones de italianos que dejaron atrás el pasado para siempre. La modestia al alcance de los sueños colectivos de un país que pronto partiría para conquistar el mundo se cuenta siempre atravesando entrelazados de sentimientos contradictorios, componiendo quizás el fresco más armonioso y grandioso de sueños, recuerdos, emociones, esperanzas y rituales individuales y colectivos sobre la vida italiana entre las dos guerras que se haya realizado.

"Amarcord" es el punto de confluencia entre los recuerdos autobiográficos y la ampliación de los sueños y deseos del italiano popular que atraviesa el fascismo buscando defender un núcleo auténtico de personalidad, viviendo el momento más grotesco y vistiendo las máscaras más trágicas de toda la historia reciente.

Pero más allá de los desfiles, los rituales más ridículos y los disfraces impuestos por el régimen, el director logra representar también los aspectos positivos del sentido de la fiesta colectiva, quiere transmitirnos el calor humano que emana de la miríada de formas de vida asociativa de la provincia: en el bar, en el cine, en el circo, en la plaza, en un teatro donde pequeñas compañías de actores montan un espectáculo.

En el teatro de la memoria, cada personaje juega su papel y es indispensable para el éxito de la arquitectura global. Como astuto observador e intérprete de la cultura popular italiana, Fellini creía que, durante el periodo fascista, el italiano promedio tenía poca familiaridad con las ideologías políticas. Por lo tanto, los años en los que el régimen de Mussolini disfrutó de un amplio apoyo popular no pueden explicarse simplemente postulando una nación de desviados sexuales o mediante la teoría de una conspiración para reprimir a la clase trabajadora.

El impacto emocional que tuvo la película en los diversos espectadores de todo el mundo, no solo en aquellos interesados o involucrados en el periodo fascista de la historia italiana reciente, se debió a que Fellini se negó a hacer una película "política" que denunciara una de las "vergüenzas" del pueblo italiano. En lugar de dividir a los habitantes de esta Rímini de la memoria en "héroes buenos" (los antifascistas) y "villanos malos" (los fascistas), Fellini modeló a la gente del pueblo como una galería de tipos cómicos, muchos de los cuales ya habían aparecido en sus películas anteriores.

Algunos de estos personajes ya habían hecho su aparición en las secuencias dedicadas a los recuerdos de la infancia y las raíces provincianas en "I clowns" y "Roma". Los fascistas de Fellini, antes que individuos siniestros y enfermos psíquicamente, son payasos, manifestaciones evidentes de un desarrollo detenido, característica compartida por casi todos los habitantes del pueblo.

No existe el punto de vista de un solo personaje, ya que el propio Titta (Bruno Zanin) se disuelve entre los múltiples hilos de un relato coral donde toda una generación es reprimida por el mito de Dios, Patria y Familia. A pesar de no querer hacer una película política, Fellini desciende hasta las raíces ideológicas del fascismo y lo revela como una patología presente en los italianos.

El resultado es un retrato despiadado de una pequeña Italia mezquina, deslumbrada por el mito del superhombre viril que, sin embargo, tiene enormes complejos en materia sexual. Titta es mimado por su madre (Pupella Maggio), pelea constantemente con su padre (Armando Brancia), se masturba pensando en Volpina pero no logra poseer a la generosa tabaquera. Sus atributos se encogen bajo las imágenes del papa, Mussolini y el rey.

La representación de las mujeres es el reflejo de un imaginario masculino hipertrofiado: el culo de Gradisca, los senos de la tabaquera, los deseos irrefrenables de la ninfómana Volpina. La actitud del hombre refleja la de un espectador en el cine que fantasea con la diva y la imagina en las proporciones de la pantalla.

Pero en "Amarcord," Fellini parece desencadenar una cierta desilusión melancólica que se abre paso entre los tiempos de una comedia y las risas de un chiste grosero: las “manitas” anuncian el regreso de la primavera en un ciclo que se repite infinitamente con cadencia fúnebre. Gradisca solo quiere casarse y dejar de ser una figura legendaria del Grand Hotel; Titta es arrancado de la despreocupación de la adolescencia por la enfermedad de su madre; el abuelo se pierde en la niebla y se mueve en una zona del más allá como un alma errante.

Esta tristeza particular es subrayada tanto por la música de Nino Rota (que sustituye el ritmo de la marcha por un vals lento) como por los aportes en el guion de Tonino Guerra, quien esculpe a los diversos personajes con matices dramáticos.

"Amarcord" se convierte así en un compendio de contradicciones que reflejan la atracción/repulsión de Fellini por Rímini, por un universo que oscila entre lo sagrado y lo profano, la locura y la razón. Un sentimiento ambivalente en el que todos pueden reconocerse: la película tendrá éxito en todas partes y ganará el Oscar a la mejor película extranjera en 1975.

La visión política, abstracta, que razona en categorías y reduce al individuo a una cifra estadística, es un discurso que no interesa a Fellini. Del mismo modo, rechaza el lenguaje utilizado por los medios para abordar los problemas sociales y presumir soluciones: un lenguaje a menudo técnico y elaborado, que también tiende a la abstracción y parece tener como único objetivo excluir del discurso a los directamente interesados.

La película adquiere una carga antifascista impensable, precisamente porque no es estrictamente política. "Amarcord" se convierte en un ejemplo de antifascismo en un sentido individual e introspectivo: cada uno de nosotros tiene la responsabilidad de buscar, reconocer y enfrentar su propia parte fascista y transformarla en algo bueno.