Desde Rusia con Amor: El lore de “El Acorazado Potemkin”  Spoilers

-Un Cine Revolucionario para Revolución-

Aprovechando que se cumplen 100 años desde su estreno en la Unión Soviética en 1925, te invito a levantar conmigo la cortina de hierro para que exploremos un fenómeno, el CINE SOVIETICO a través del lore de “El Acorazado Potemkin” (1925). En ruso BRONENOSETS POTYOMKIN.

Desde la propaganda revolucionaria hasta la vanguardia de la industria cinematográfica. Todo un clásico del cine soviético y del cine mundial, pero… ¿Qué es lo que hace a esta película un clásico de la historia del cine?

Muy por encima la respuesta es fácil, Sergei Eisenstein con tan solo 27 años y una sola película en su haber, “La Huelga” (1925), otro clásico del cine soviético ya era toda una promesa para la industria con su Teoría del Montaje y como TODO en la Unión de Repúblicas Socialistas, la expropiación por decreto era moneda corriente y nada ocurría sin la supervisión del Gran Hermano o el Gran Camarada, (como quieran), por supuesto la industria del cine no era la excepción sino una parte utilitaria del régimen comunista en términos de propaganda, ya sea para difundir los ideales revolucionarios o mitificar figuras y actos de violencia, como es el caso de esta obra, realizada a pedido del régimen en conmemoración a los 20 años de la Pre-revolución de 1905 contra la autocracia Zarista de Nicolás II, (más abajo un paréntesis histórico). Mitificando el motín ocurrido en Junio de ese año a bordo del acorazado y los brutales disturbios en el puerto de Odessa, actual Ucrania sobre la costa del Mar Negro.

Vladimir Lenin decía: - [“El cine es la forma de arte, más importante e influyente para la difusión de los ideales revolucionarios y la educación de masas”]-, (aunque yo lo llamaría adoctrinamiento) pero mejor veamos que decía el director sobre su obra, más allá de las manos negras que buscaban mover esos hilos invisibles, este joven vio la oportunidad de dejar su huella, una que 100 años después seguimos apreciando, ¿Qué es lo que buscaba plasmar?

Quería una obra orgánica total, donde cada parte funciona para el todo, una obra que atraiga al espectador al punto de la reflexión a través de la emoción (pathos). Diseñarla como un “ataque psicológico” y crear una experiencia emocional, a la vez que didáctica mostrando el sufrimiento del pueblo oprimido, exaltando la fraternidad revolucionaria.

S. Eisenstein

Su visión más orgánica con el uso del patetismo (pathos), compréndase en el sentido filosófico de la palabra, haciendo alusión a la cualidad de provocar gran impresión y causar compasión o melancolía. El uso del patetismo a través de una sucesión constante de emociones y acciones para provocar un impacto psicológico en el espectador para esto desarrolló su Teoría de Montaje, un montaje dialectico, resultando en una influencia casi directa a la manera en la que pensamos el cine y cómo lo experimentamos al ver una película hoy en día.

Montaje de Atracciones

El montaje de atracciones fue la piedra angular de este proyecto, el joven director descubrió que si aceleraba el ritmo de las secuencias, variando los ángulos de las tomas con un gran angular, la diagonal en la fotografía, los planos generales para describir la acción y primeros planos para descubrir las emociones de los personajes, dos técnicas que comenzaron a consolidarse en la década de 1920, tenía las claves para transmitir emociones de forma más orgánica y fluida, te atrapa, es una película muy cruda y violenta para su época, hace que busques los detalles en cada imagen, empujándote a la reflexión sobre la realidad de las crisis sociales. Esta obra cuanta con unos 1346 planos, siendo el estándar de la época en películas mudas de 600 planos, esas tomas extra marcaban el ritmo narrativo, los planos generales hacen énfasis no en la revolución o en la construcción del socialismo sino en la lucha de clases, la unión entre el pueblo y los trabajadores, la desencarnada violencia que sufrían por oponerse al hambre y la miseria del régimen Zarista de la época, aparece un tema recurrente en el cine soviético, la figura del héroe colectivo como reflejo de la vida cotidiana.

Creo que en términos de objetivo, Sergei en verdad tuvo la clara visión sobre como llegar a lo que se proponía. Una obra es realmente orgánica cuando es capaz de insertarse en la cadena de progreso social, cuando el tema, la materia y la idea del autor se han fusionado inseparablemente con sus pensamientos y su propio ser.

La Escalera de Odessa

Un verdadero hito en la historia del cine. Si no viste la película, no importa, esta escena ha sido referenciada, parodiada u homenajeada muchas veces.

La escalera es el acto IV (4) de esta obra dividida en 5 partes, siendo esta secuencia una de las más recordadas no solo porque muestra la violencia deshumanizada de las tropas Zaristas asesinando a civiles inocentes que intentaban huir sino porque además la imagen enfoca a un cochecito con un bebé cayendo por los escalones tras el asesinato de su madre, una poderosa y conmovedora crítica a la opresión.

(La escalera de Odessa en la actualidad) - (Las escaleras en la película)

Algunas de las más famosas referencias:

“Los Intocables de Elliot Ness” (1987) de Brian De Palma.

Esta es una de las más famosas recreaciones, Brian De Palma extendió la vida a esta escena con su escena en la estación de tren donde ocurre un tiroteo mientras un cochecito de bebé cae por las escaleras, quizá aun más referenciada que la de Eisenstein.

“La Pistola Desnuda 33 1/3: El Insulto Final” (1994) de Peter Segal

Como es el caso de la escena en “Naked Gun” que directamente hace una parodia perfecta de la escena de los intocables y nos regala otra escena clásica del cine. Acá les dejo el link porque no tiene desperdicio.

Existen también referencias menos obvias en otras películas como “Bananas” (1971) de Woody Allen; “Las Brujas” (1990) de Nicolás Roeg y “Brazil”(1985) de Terry Gillian, ex Monty Python.

CINE- OJO

Otros realizadores trabajaron no solo a la vanguardia sino también a la par de Sergei, como es el caso de Dziga Vertov, (Siga Vertov) con su Teoría del Cine Ojo, en ruso KINO-GLAZ (Cine-Ojo). Esta teoría deriva del montaje de atracciones pero busca más la objetividad, utilizando la cámara como un ojo mecánico capaz de capturar la realidad de forma más precisa y objetiva que la percepción humana, la cual está sujeta a prejuicios y sesgos. Rechazaba la ficción, los guiones, la actuación y los decorados, buscaba retratar la vida en su estado más natural.

(Lev Kuleshov)

Otro gran pionero del cine fue Lev Kuleshov, creo lo que se conoció como “El Efecto kuleshov”, el cual se basa en la premisa de que el significado y el impacto emocional de una imagen dependen del contexto, es decir de las tomas que la rodean, probando que la edición es una herramienta poderosa para crear significado, ¿Cómo funciona?

Se hace una toma del actor inexpresivo, cara de póker, a esta toma se le suma una que le brinde contexto, intercalándolas con tomas del actor;

Ej., ACTOR + PLATO DE SOPA = HAMBRE

ACTOR + NIÑO EN ATAÚD = DOLOR O TRISTEZA

ACTOR + MUJER = INTERÉS O DESEO

Esta yuxtaposición de planos infiere en el espectador una emoción, Alfred Hitchcock fue maestro en esta técnica, mejorándola y consagrándose como un ícono del suspense.

Por último tenemos al considerado Padre del Cine Ruso, VSEVOLOD PUDOVKIN (Sevolod Pudovkin), este revolucionario exploró el uso del sonido como herramienta de montaje, utilizándolo como recurso asociativo para dar valor dramático a las imágenes. Algunas de sus obras más reconocidas y recordadas son parte de la “Trilogía Revolucionaria”, “La Madre” (1926),“El fin de San Petersburgo” (1927) y “La Tempestad” (1928), donde se puede apreciar otro tema recurrente en el cine soviético, la mitificación de hechos sucedidos durante la revolución rusa y la toma de conciencia revolucionaria.

Sin lugar a duda el cine ha sido y es tanto, catalizador como consecuencia del auge de estas ideologías y la contracultura, convirtiéndose muchas veces en fiel reflejo las crisis sociales.

Siguiendo esta premisa entre la verdad y la ideología, la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas se posicionó a la vanguardia de la industria, fuertemente influenciado por el constructivismo ruso.

Algo de contexto histórico:

Esta película fue realizada por encargo del régimen ruso, por un lado para levantar la moral entre las masas y por otro lado para celebrar el 20 aniversario de la Pre-Revolución de 1905, cuando un domingo de Enero una pacifica manifestación de obreros terminó en masacre; El zar Nicolás II, renuente a dejar su autocracia reprimió a su pueblo con gran violencia dejando un saldo de cientos de muertos y decenas de heridos, hoy se conmemora como el “Domingo Sangriento”. Esta masacre fue el Franz Ferdinand para la caída del Imperio Ruso Zarista. Mas o menos una década después, La Revolución Bolchevique o golpe de estado llevo a Vladimir Lenin y al Partido Obrero Socialdemócrata al poder, marcando a rojo fuego la segunda etapa de la revolución y formando el primer estado socialista del mundo, la Unión Soviética.

Hoy me extendí un poco más, la verdad es un tema super interesante y esta plagado de verdaderas joyas del cine, a la vez que son prueba tangible sobre como aquellas “personas” por encima de nuestras cabezas utilizan los medios de comunicación para controlar las narrativas y la memoria en el consciente colectivo. Siempre es bueno recordar a aquellos que se atrevieron a ir más allá y cambiaron mundos pero nunca debemos alejarnos del contexto. Como siempre los invito a curiosear sin prejuicios.

Gracias por leer!!

La Bruja Anarquista