NARRAR LO SUTIL: Repensando el clásico 

Las verdades universales en lo que no se dice. Una invitación a lo contemplativo y a habitar lo cotidiano.

Las películas de Slice of Life, al centrarse en lo sutil y cotidiano, desafían la noción tradicional de un "clásico" como una obra épica o monumental. Estas películas demuestran que el valor de un clásico puede radicar en su capacidad para capturar la esencia de la vida diaria y las emociones humanas fundamentales. "SOBRE LAS NUBES," "DRIVE MY CAR," y "PERFECT DAYS" son tres largometrajes provenientes de distintos rincones del mundo que exploran la profundidad de la experiencia humana sin grandes conflictos dramáticos, ofreciendo una visión enriquecedora y contemplativa de lo que significa vivir en el mundo moderno. Las tres películas de las que vamos a hablar se centran en la vida cotidiana de sus personajes y comparten una misma sensibilidad. Logran capturar y expresar verdades universales de una manera tan poderosa y duradera, reafirmando el impacto de las sutilezas en lo cotidiano. Encuentran lo universal en lo específico, en lo que a menudo se pasa por alto. Al enfocarse en detalles y momentos aparentemente pequeños, revelan verdades profundas sobre la condición humana que trascienden el tiempo y el lugar, lo que las convierte en obras con potencial para ser vistas como nuevos clásicos. El enfoque en la intimidad y la autenticidad en estos filmes abre nuevas vías para la narrativa cinematográfica que resuenan con una audiencia global, posicionándolos como clásicos emergentes.

Todos los personajes ocultan de una manera muy sutil un dolor que puede resultar desgarrador, pero sin ostentar del mismo. Lo hermoso de estas películas está en lo que no se dice. Estas historias se construyen a partir de lo monótono pero con momentos que te movilizan profundamente poniendo un fuerte énfasis en las emociones humanas y las relaciones interpersonales. Los personajes enfrentan desafíos emocionales y buscan formas de sanar o avanzar en sus vidas. Encierran universalidades en sus fracciones y en lo no mostrado, que también dan pie a asuntos que trasladan la particularidad a lo global. La estructura en estas películas es algo clave ya que permite una exploración más profunda de los personajes.

A pesar de que las películas provienen de extremos opuestos del mundo, se abrazan en algún punto desde una narrativa más pausada y en la manera en la que se estructuran, permitiendo al espectador sumergirse en la experiencia de los personajes. Van a paso lento, desentrañando dolencias que los personajes afrontan en el día a día y en lugares que pueden sentirse solitarios.

Personalmente, siento mucha afinidad con estos universos cinematográficos en los que el relato pone un foco en la intimidad brindando una visión más rica de la vida de los personajes, desarrollando resonancias emocionales a medida que el espectador se sumerge en las vidas y los problemas de los personajes. El enfoque está en capturar lo esencial de una manera más contemplativa. No se centran en conflictos dramáticos, sino en la exploración de los detalles de la existencia cotidiana.

SOBRE LAS NUBES es una película argentina y cordobesa dirigida por Maria Aparicio (2022). Esta oda a Córdoba, a su gente y a las cotidianidades presenta una estructura coral, con relatos independientes en la que los personajes apenas se cruzan, pero aún así, paralelos, con una mirada poética, social y enternecedora. Esta estructura le permite ofrecer una visión completa y multifacética de la ciudad de Córdoba y sus habitantes. Vemos a cinco personajes que intentan sobrevivir a la falta de empleo, al desamor y a la rutina. Al alternar entre las historias de estos personajes, la película crea un retrato enriquecido de la vida urbana en la ciudad.

Llena de sensibilidad, esta película busca indagar en lo que es habitar colectivamente la ciudad, la melancolía y alienación que se pueda llegar a experimentar. El cielo como único hilo conductor entre las diferentes historias: el eclipse, la lluvia y las nubes, que de alguna manera, es idéntico para todos. Este largometraje está marcado por personajes cargados de sutilezas en el que el arco de evolución está fuertemente ligado a cómo cada uno de ellos se adapta a su entorno y en sus relaciones con los demás, así como con la búsqueda de significado y conexión en la ciudad de Córdoba.

Según Kracauer, el cine puede revelar aspectos del mundo que normalmente pasan desapercibidos, proporcionando una nueva forma de entender y apreciar la realidad cotidiana. Para él, el cine debería enfocarse en lo concreto y lo material, capturando la textura y los detalles de la vida diaria.

La estructura de la película permite que se desarrollen resonancias emocionales a medida que los espectadores se sumergen en las vidas y los problemas de los personajes. Aunque apenas se cruzan, el espectador puede sentir la interconexión subyacente de las experiencias humanas compartidas permitiendo que la película explore diferentes realidades y situaciones de la vida. Cada personaje representa un aspecto diferente de la vida en la ciudad, desde una librera, hasta un vendedor ambulante y una enfermera. Esto enriquece la representación de la diversidad de experiencias humanas. La estructura permite que la película cuestione temas sociales, como el trabajo y la falta de empleo, de una manera sutil pero efectiva.

De alguna manera, el objetivo general de todos los personajes reside en encontrar un balance entre la tranquilidad económica y el bienestar emocional. La búsqueda de la satisfacción personal y el autodescubrimiento una visión polifónica de la ciudad y sus habitantes son ejes principales en la estructura del largometraje. Permite una exploración detallada de las experiencias humanas y cuestiona temas sociales importantes mientras se centra en la intimidad de los personajes.

Por otro lado, tenemos al largometraje japonés DRIVE MY CAR, esta película estrenada en 2021 dirigida por Ryûsuke Hamaguchi, trata de un viudo que necesita un chofer y contrata a una chica de 20 años, con quien establece una conexión muy especial. El viaje en coche es una parte central de la película y se convierte en una metáfora de los propios viajes personales y emocionales de los personajes. Las relaciones leves, los sentimientos guardados y la apariencia calma de los personajes son propios de este tipo de cinematografías. Esta película explora el desarrollo de personajes complejos; se centra en personajes con profundidad psicológica, cada uno con sus propios conflictos y motivaciones. Hace uso de una estructura narrativa no lineal y fragmentada. Desde el principio, los espectadores se dan cuenta de que la narrativa no seguirá una línea de tiempo lineal y tradicional. Esto les hace anticipar que deberán estar atentos a los detalles y las conexiones a lo largo de la película. «Drive My Car» explora las complejidades de las relaciones humanas, incluidos temas como el amor, la pérdida y la comunicación. Al saltar en el tiempo y alternar entre diferentes momentos de la vida de los mismos, los espectadores obtienen una visión más completa de sus experiencias y evolución emocional. La narración fragmentada permite que la información se revele gradualmente. Los espectadores deben unir las piezas del rompecabezas a medida que avanzan en la historia. Esto crea un sentido de descubrimiento y participación activa por parte del espectador. La estructura de la película se centra en la emoción y el subtexto. Las conversaciones y las interacciones entre los personajes en este tipo de estructura permite que los espectadores se sumerjan en las emociones de los mismos y contribuye a la profundización en el tema de la pérdida y la superación del dolor. La estructura no convencional de «Drive My Car» enriquece la experiencia de la película al permitir una exploración más profunda del mundo emocional de los personajes.

Por último tenemos a Perfect Days (2023), dirigida por Wim Wenders, se suma a este enfoque narrando la vida de un limpiador de baños en Tokio. El protagonista, Hirayama, lleva una vida simple y rutinaria que a primera vista puede parecer monótona, pero que Wenders retrata con una profunda sensibilidad y humanidad. La película sigue su día a día, revelando sus pequeños rituales, los lugares que frecuenta y las personas con las que se cruza, mostrando una mirada íntima y detallada de su existencia.

La película destaca la belleza en lo mundano y celebra los momentos pequeños y aparentemente insignificantes que componen la vida del protagonista. La película tiene un diseño sonoro cuidadoso, ya que deja de lado el bullicio de una metrópolis como Tokio para sumergirnos en un lugar más íntimo y personal para el personaje, promoviendo una escucha más interna. A través de su cuidadosa observación y atención al detalle, Wenders nos invita a reflexionar sobre la conexión con uno mismo y con el entorno, la búsqueda de significado en la cotidianidad y la poesía que se puede encontrar en la rutina diaria.