“Lo difícil es convencer a alguien que realmente forma parte de ti.”
Estas palabras las desliza con el rostro cabizbajo y una tristeza congelada en sus ojos William Lee, el excéntrico y roto protagonista de ‘Queer’ interpretado por un soberbio Daniel Craig como nunca antes lo había visto. En su porte y actitud positiva falsamente construida se nota el paso del tiempo, las heridas y el dolor de no haber conseguido completarse a sí mismo. Y es que este hombre sediento de carne joven (en el más poético de los sentidos si es que existe) se siente como un verdadero ‘queer’ desde el inicio de la nueva película del italiano Luca Guadagnino, inclusive hasta los segundos finales. Pero no me malinterpreten, ya que yo también malinterpreté toda mi vida el término. Pensaba que ser queer era ser gay, y es algo mucho más profundo que eso.
Sentirse solo, desamparado, vacío. En un nivel mucho más humano y no tan identitario ser queer puede significar (según algunas interpretaciones) ser “extraño”. Alguien que no puede conectar con las normas sociales establecidas y que emprende un camino de constante autodescubrimiento. Y mucho de eso tiene nuestro protagonista, algo que no le es ajeno a Guadagnino desde que comenzó su carrera de estrellato en el año 2017 tras el estreno de ‘Call Me By Your Name’, retratando personajes que se buscan a ellos mismos dentro de la multitud. ¿Quiénes somos y quiénes queremos ser? Basada en la novela homónima escrita por William S. Burroughs y fijada en la mente de Luca desde que tenía veinte años, la historia sigue a este expatriado estadounidense que pasa sus días y noches de bar en bar en una ciudad de México ambientada en la década de los 50s, buscando desesperadamente por alguien que lo contenga mientras se rodea de viejos conocidos y trata de no perder su espíritu aventurero en la heroína y la amargura de la soledad.
Con un estilo visual digno de la visión mágico realista del propio Burroughs (que luego lo elevaría con el surrealismo en Naked Lunch, su obra cumbre que posteriormente fue adaptada en el año 1993 por David Cronenberg) y ciertas pinceladas del reciente fallecido David Lynch, Guadagnino nos pone en la piel de un hombre invisible, casi catatónico, que en su voraz hambre de atención recurre a exponerse sin filtros ante todos los que le rodean en el nombre un imposible, llamémosle amor, que parece nunca llegar. Uno que habla, pero parece no expresar nada con sus palabras, que se pierde en un laberinto creado por él mismo. Craig le da vida con pasión, con fiereza y salvajismo, pero sobre todo le pone corazón a un relato que se apoya enteramente en sus hombros y que contiene una exploración paradójicamente desvergonzada sobre el dolor provocado por la vergüenza en el ser masculino.
Todo cambia cuando se topa de casualidad con un joven exsoldado norteamericano en el escenario más improbable: una riña de gallos. Suena de fondo ‘Come As You Are’ de Nirvana (un guiño de Guadagnino al respeto mutuo que se tenían Kurt Cobain con Burroughs), y mientras Lee se distrae con lo mundano, encuentra un final al callejón sin salida que es su vida. Eugene Allerton, pronunciado como Gene para él, representa todos sus ideales. Parece inteligente, misterioso y denota cierta inocencia en su aniñado rostro. Drew Starkey crea una extraña solidez en su trabajo interpretativo que requiere más sutileza que entrega. Se expresa mediante la mirada, que invoca una dualidad entre el rechazo y el cariño, y sólo se limita a escuchar pobremente a Lee mientras fuma un cigarro o se arregla la ropa. ¿Qué representa este joven en la historia?
Eso sí, si hay algo que no muestra desliz alguno son tres elementos: primero hay que destacar la hermosa Ciudad de México que desplegó Guadagnino junto al inexperto Stefano Baisi en el diseño de producción y Monica Sallustio en la dirección de arte en una maravilla repleta de miniaturas, efectos visuales y decorados que transportan sin pensarlo. Rodada en el estudio Cinecitta Studios en Italia, y en algunas locaciones en Palermo y Roma, sentí México tan bien representada como pocas veces, lejos del tono sepia que Hollywood nos tiene acostumbrado. En ‘Queer’ todo el mundo tiene calor, la gente realiza su trabajo con pasión y no son estigmatizados por su condición. El segundo elemento, pero no menos importante, es la fotografía a cargo del tailandés Sayombu Mukdeeprom, que este año creó el mejor falso plano secuencia “tenístico” de la historia en Challengers (también de Guadagnino), y en ‘Queer’ vuelve a las raíces del explorar lo íntimo con una puesta en escena que apuesta por la multicámara como recurso estilístico junto al slow motion, y un maravilloso juego de luces y sombras.
Y el tercero, y más importante de todos, es el guion. Justin Kuritzkes, que ya había colaborado este año con Guadagnino en la película protagonizada por Zendaya y el dúo varonil O'Connor/Faist, le da vida a un sueño hecho realidad, en el sentido más simbólico de la expresión. ‘Queer’ se ve y se siente a lo largo de todo el metraje con una coherencia narrativa propia de los grandes, algo que sorprende ya que el guionista (y a su vez pareja en la vida real de la nominada al Oscar Celine Song) sólo tiene dos trabajos en su repertorio como escritor. En el fondo, detrás de todo el romanticismo, existe cierto artilugio emocional dentro del personaje de Lee que puede ser visto como un estudio de personaje más exhaustivo del que parece. Su obsesión por encontrar el yagé, o ayahuasca mejor conocida en Colombia, Ecuador y Perú, resulta ser el medio para concretar un fin en el que jamás puede anclar. El destino de Lee es morir sólo, acompañado del calor de una cama y la frialdad de saber que la felicidad duró solo un rato. Como nos sucede a todos nosotros…
POR JERÓNIMO CASCO
Publicado el 23 de ENERO del 2025, 15.22 PM | UTC-GMT -3
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