Abderrahmane Sissako: Recuerda este nombre.

Han pasado diez años desde que el director mauritano-maliense Abderrahmane Sissako dirigió por última vez una película: “Timbuktu” (2014), un relato devastador de la vida bajo el régimen yihadista en el Mali contemporáneo. Todos estaban esperando su regreso. No muchos directores africanos reciben el respeto y el prestigio de la crítica y la comunidad internacional de los que ha disfrutado Sissako a lo largo de los años. En una carrera que abarca más de 30 años, el artista y narrador mauritano nos presenta historias de África que trascendieron la geografía y el idioma, y ​​abordan las políticas de identidad, el extremismo y la globalización.

Para Sissako, hay tres lugares que empiezan con la letra M y que han marcado su vida y su carrera: Mali, Mauritania y Moscú. Nació en 1961 en Mauritania y vivió la mayor parte de su vida en Mali, antes de trasladarse a Moscú para estudiar cine en el Instituto Estatal de Cine en 1983.

Considerado hoy uno de los padrinos del cine africano, se muestra humilde en cuanto a sus comienzos y su pasión por el cine. A diferencia de muchos directores, no compartió una historia conmovedora sobre cómo se escapó de la escuela para ir al cine o cómo se coló en una proyección. Afirma que nunca fue un cinéfilo, es decir, alguien aficionado al cine, ni conocido por ir al cine. Ha aceptado el hecho de que su pasión surgió de razones personales, tal vez demasiado personales: “Me convertí en cineasta por el amor que sentía por mi madre, que tenía otro hijo llamado Cherif. Ella nunca llegó a verlo crecer, pero finalmente lo conoció cuando tenía 25 años. Él era estudiante de cine. Yo tenía ocho años. Sentí que quería crecer y convertirme en Cherif, el hijo que ella nunca pudo criar”.

Moscú fue la meca de muchos cineastas africanos, como el director sudanés Suliman Elnour y el fallecido director senegalés Ousmane Sembene. En el apogeo de la Guerra Fría, la Unión Soviética era vista como un destino anticolonial (en contraposición a Europa occidental, especialmente Francia) y una entidad anticapitalista (en contraposición a Estados Unidos).

Graduado en 1989, realizó Octubre (1993) y el documental Rostov-Luanda (1998), que investiga las conexiones entre África y el mundo a través de las relaciones personales. Mientras que Octubre cuenta la historia de la división racial a través de la relación entre el estudiante africano visitante Idrissa y su compañera rusa blanca Erina, Rostov-Luanda cuenta dos historias, ambas viajan entre la actual Angola y Mauritania, a Mali y luego a la ex Unión Soviética. El entrelazamiento de diferentes historias, idiomas y —muy importante para Sissako— las complejidades de los protagonistas, dio como resultado un documental discreto y lánguido. En todo caso, estamos en presencia de un verdadero nómada artístico, que puede trasladarse sin moverse, en una búsqueda curiosa de lo que los diferentes idiomas, lenguas y dialectos pueden nombrar

La fama de Sissako floreció en 2002, cuando su película “Waiting for Happiness” se estrenó en el Festival de Cine de Cannes y ganó el Premio al Cineasta Extranjero del Año, así como el Premio FIPRESCI. La película, abordaba la política, pero a través de historias sobre el exilio, la frágil esperanza y la crisis de identidad. Pero en su contundente Bamako (2006), lo político se torna abrumador. El cine, todo arte trascendental debe ser político, en su forma más profunda y menos banal. Su interés por lo político comenzó cuando era joven y empezó a leer obras de autores africanos que vivían en África y en la diáspora. ¿Cómo no interesarse por la desigualdad y la injusticia cuando se ha nacido en África o en América Latina?

La experiencia migratoria ha sido durante mucho tiempo una preocupación para este director, cuyo trabajo a menudo refleja la agridulce vida de la diáspora. En su película del 2002, un graduado regresa a Mauritania después de estudiar en el extranjero y descubre que apenas puede recordar el dialecto árabe local, mientras que en “Life on Earth” (1998), el propio cineasta interpreta a un emigrado, una versión ficticia de sí mismo, que regresa de Francia a un pequeño pueblo de Mali.

Black Tea (2024) es la segunda película coescrita por el director mauritano Abderrahmane Sissako y Kessen Fatoumata Tall, después de su premiada película Timbuktu (2014) de hace una década. En comparación con la ganadora del César a la mejor película de 2015, la nueva película de Sissako no conquistó tantos corazones en la comunidad internacional después de su estreno. Sin embargo, cuenta una extraordinaria historia de amor que abarca continentes y culturas, desde África occidental (Costa de Marfil y Cabo Verde) hasta Asia oriental (China). Las características transculturales y transfronterizas de la película también se reflejan en su coproducción multinacional en la que participan Francia, Mauritania, Luxemburgo, Taiwán y Costa de Marfil. Black Tea relata el romance entre una joven marfileña, Aya (la fascinante Nina Mélo), y un hombre chino de mediana edad, Cai (Chang Han), propietario de una tienda de té en Guangzhou -China-, en el barrio que llaman: “Ciudad Chocolate”, donde residen miles de inmigrantes africanos.

La película arroja luz sobre la escasamente conocida comunidad de inmigrantes africanos en China, explorando interacciones de base que van desde el entorno comercial hasta el ámbito íntimo de las relaciones personales. Además, ilumina el flujo inverso de la migración china a África, presentando una narrativa matizada de intercambios transcontinentales y las vidas tejidas a través de estos movimientos. La historia se desarrolla primero en Costa de Marfil. En un ayuntamiento, un grupo de parejas, incluida una pareja chino-marfileña, se preparan para casarse en presencia del alcalde, sus amigos y familiares. En una memorable imagen inicial, una hormiga negra camina entre los pliegues de su vestido blanco —una amenazadora mosca en la sopa— mientras espera a que comiencen las nupcias, con el rostro deformado por la incertidumbre. Sin embargo, Aya le dice que no a su prometido, deseándole que pueda tener la vida que añora.

A continuación, vemos a Aya pasar por el bullicioso mercado diurno de Costa de Marfil, mientras otras escenas se solapan y comunican esa experiencia a la calle silenciosa y vacía de Guangzhou por la noche. Del día a la noche silenciosa, Aya habla chino con fluidez, deambula entre los vendedores y vecinos, ya sean chinos o inmigrantes africanos, en el llamado "barrio del chocolate". Trabaja en la tienda de té de Cai, donde flota el amor por las tradiciones de la cultura china, y por algo más. Cai, es el hombre que pasa tiempo con ella y le enseña la ceremonia y la filosofía del té. Al igual que otras parejas, “mixtas” o no, enfrentan dificultades, como el fracaso previo de Cai en su matrimonio con una mujer china, su relación de hace mucho tiempo con otra mujer africana, con quien tuvo una hija, mientras dirigía junto a su esposa un restaurante chino en Cabo Verde. Vemos una animada comunidad afrochina donde se ha formado una familia improvisada entre los dueños de negocios multigeneracionales y de herencia mixta del barrio. Atraídos por su pasión por el té y por las muchas miradas anhelantes por encima de las tazas de arcilla humeantes, Cai y Aya comienzan a buscar un romance tentativo.

Se vuelve sobre los eternos tópicos: ¿Puede el amor trascender culturas, idiomas, etnias y desigualdades sociales? y, al mismo tiempo, dar testimonio del intercambio y la interacción de las personas en los florecientes compromisos entre China y África. Una bebida es el centro de esta película. Todos sabemos que hay algo en las bebidas y los alimentos que contiene el potencial de representar la profundidad de cualquier cultura. Cai, apoda “Té Negro” a Aya, porque, como el té negro, es cálida y húmeda como el jade, con un aroma rico y persistente. Además, el propio Cai también es como las hojas de té: después de años de secarse al sol, retorcerse y fermentarse, finalmente produce un sabor refrescante y un gusto suave.

Toda la película sostiene, no solo el vínculo íntimo con la cultura del té o la historia de amor poco convencional, sino la forma en que estos elementos se combinan con símbolos culturales chinos y africanos integrados, y una hermosa puesta en escena tanto en Cantón como en Cabo Verde. Los giros musicales de la película, los diálogos de ritmo lento y el uso de la luz, la sombra y el color crean una sensación melancólica que sin duda puede interpretarse como una oda del director al maestro de Hong Kong Wong Kar-wai.

La trama de la película se inspiró en el encuentro del director con una pareja chino-africana que regenta un restaurante llamado “La Colline Parfumée” (La colina perfumada). De hecho, este tipo de parejas existen tanto en China como en África, como resultado del creciente intercambio de capital, bienes, personas y conocimientos entre estas dos regiones. El director intenta representar una utopía en la que los inmigrantes africanos y los chinos locales viven juntos en paz: trabajan y residen en el mismo barrio, bailan juntos, los chinos cenan en restaurantes africanos o disfrutan de música en vivo en bares africanos, y los africanos hablan chino con fluidez (a veces incluso como lengua vehicular entre ellos) y mantienen relaciones armoniosas con los lugareños, incluidos algunos policías.

Sin embargo, esto sigue siendo, hasta la fecha, una visión surrealista, ya que los africanos a menudo sufren racismo, discriminación, segregación espacial y social y estrictas políticas de inmigración en China (también se muestra en la película), mientras que, de manera similar, los inmigrantes chinos en África se enfrentan a un sentimiento antichino y tienden a autosegregarse. No obstante, la película sirve como una invitación sincera para que los artistas, académicos y responsables políticos presten atención a las interacciones de persona a persona a nivel micro entre China y África.

En Douban, la plataforma en línea más popular de China para reseñas de música, películas y libros, obtuvo solo un 2,6 sobre 10. Esto se debe en parte a que, a pesar de estar ambientada en Guangzhou, la película en realidad se filmó en Kaohsiung, Taiwán, ya que China se negó a emitir el permiso de rodaje.

Por desgracia, su incipiente relación se ve amenazada por traumas sin resolver de ambos pasados, incluida la tensión de Cai con su ex esposa Ying (Wu Ke-Xi) y su distanciamiento de la hija que engendró durante una aventura con una mujer caboverdiana que puso fin a su matrimonio.

Uno de los puntos fuertes de la película es el retrato polifacético que ofrece de una diáspora que no suele verse en la pantalla, al menos por el público occidental. Guangzhou tiene una historia de migración africana que se remonta al auge económico de los años 90, y estos migrantes forman ahora una minoría considerable, aproximadamente el 2 por ciento de la población de la tercera ciudad más grande de China, lo que los convierte en la comunidad africana más grande de Asia. Al ubicar su película dentro de esta diáspora, Sissako hace un gesto hacia esta historia geopolítica más amplia, demostrando cómo el poder económico global cambiante está remodelando el rostro de la China contemporánea.

La película resume inteligentemente este equilibrio cambiante a través de una secuencia en la que un hombre de negocios árabe recorre los mercados mayoristas de Guangzhou, negociando los mejores precios en ropa interior de encaje a través de un intérprete que traduce con elegancia entre dos culturas empresariales diferentes.

La historia de Aya como migrante forma el tronco del que se ramifican otros relatos incidentales de vida intercultural, amor y pérdida; desde el momento de conexión inesperada de Ying con una mujer francesa en un bar, hasta la historia de la hija caboverdiana de Cai que aprende chino en homenaje a un padre al que nunca ha conocido. El director es un experto en capturar las alianzas inesperadas que pueden formarse en las comunidades inmigrantes, donde se juntan muchos orígenes diferentes sin mucho en común más que un espacio territorial compartido. Las escenas que transcurren en un salón africano, donde Aya es recibida como una hermana y una interminable fila de lugareños del barrio africano se sientan a charlar distraídamente, están maravillosamente capturadas. Algunos de los momentos más efectivos de la película, como un canto a capela improvisado en el salón y una clase de baile con influencias afro-pop a la que asiste el hijo de Cai, Li-Ben (Michael Chang), utilizan la música para dar vida al entretejido cultural.

Todas las obras de este director siempre están impulsadas por la poesía, la implicación y el subtexto que por la trama tradicional. Aya le dice a un amigo al principio de la película que, para hacer té de verdad, hay que esperar, una súplica de paciencia que podría haber venido directamente del propio cineasta. Hay muchos momentos profundamente poéticos en toda la obra. Lo que el espectador debe considerar es que es una película diferente a las que el director nos ha brindado. Es todo un desafío, para cualquiera de nosotros, cuando vamos a buscar lo que ya no está ahí. A veces, idealizamos y pensamos que un director debería darnos siempre la misma variedad de infusión, esperando que todo no se derrumbe bajo el peso de nuestras expectativas, luchando por equilibrar los tropos del género del drama romántico con el interés del director en ofrecer una instantánea de 360 ​​grados de la vida multicultural.