¿Qué se esconde detrás de la magia de la iluminación cinematográfica?

Descubre los secretos de la iluminación en el cine

¿Cuánto debería ver la audiencia en la pantalla?, ¿debería la iluminación ser brillante o tenue?, ¿natural o exagerada?, ¿debería deslumbrar o permanecer suave?, ¿está destinada a realzar a los actores o revelar cada arruga y cicatriz en sus rostros? Para que una película tenga éxito, la audiencia debe poder ver.

La iluminación como herramienta

Para que la cinematografía de una película sea considerada buena, el requisito más básico es una iluminación adecuada en los actores para asegurarse de que sean visibles, realzando y resaltando sus características. Aparte de los actores, todos los detalles significativos de la dirección de arte deben ser capturados fácilmente a simple vista, permitiendo que la audiencia recopile la información visual necesaria. Esto incluye fondos naturales, entornos artificiales, accesorios, vestuarios y varios detalles que transmiten el contexto y el subtexto de la historia.

A veces, los detalles en la dirección de arte no necesitan ser notados por la audiencia, pero si una habitación llena de decoraciones cuidadosamente seleccionadas termina oculta en una iluminación sombría, ¿cuál es el punto? Por el contrario, hemos visto muchas películas que utilizan una iluminación brillante pero carecen de un toque particular, o aquellas que utilizan la grabación digital y efectos de movimiento suave, haciendo que se sienta como ver un juego de fútbol en vivo: nítido, frío y carente de suavidad natural.

Hoy en día, con cámaras, lentes y tecnologías de iluminación avanzadas, es raro ver películas mal rodadas. Incluso los recién llegados, armados solo con un teléfono inteligente y una comprensión de la fotografía y la iluminación, pueden producir películas visualmente atractivas. Sin embargo, todavía hay muchas películas con cinematografía poco inspiradora. Para evitar caer en la trampa de ese cine poco inspirador, es necesario conocer los orígenes de diversas técnicas de iluminación.

1 Iluminación de bajo contraste

Estudios sugieren que desde la década de 1930, las imágenes cinematográficas se han vuelto más oscuras. Esta tendencia se remonta a la influencia del Expresionismo alemán, los noticieros de guerra y la fotografía durante la Gran Depresión en el cine estadounidense. En 1941, El ciudadano revolucionó el lenguaje cinematográfico. El director Orson Welles, junto con el diseñador de producción Perry Ferguson y el director de fotografía Gregg Toland, rompieron con las tradiciones glamorosas y realistas de la edad de oro. Utilizaron sombras profundas y estrechos haces de luz para retratar esta historia shakespeariana de autoimportancia, aislamiento, anhelo y pérdida. El cine negro de la época exploró aún más el uso de una iluminación dramática y teatral para representar la angustia interna de sus personajes en la era de la posguerra y la desilusión.

Los maestros de la cinematografía controlan las sombras tan hábilmente como los grandes pintores emplean el espacio en blanco en sus obras. Gordon Willis, el director de fotografía responsable de la trilogía El Padrino, se hizo conocido como el príncipe de la oscuridad, debido a su predilección por filmar a los actores en sombras. En la icónica escena inicial de El Padrino, Don Corleone se sienta en un estudio ligeramente iluminado, mientras que la boda de su hija tiene lugar en un jardín iluminado por el sol, creando un contraste marcado que simboliza el mundo interior dividido de Corleone, un lado comprometido con el sucio negocio del crimen, y el otro cuidando de su familia.

Curiosamente, Todos los hombres del presidente, también filmada por Gordon Willis, yuxtapone la sala de redacción brillantemente iluminada del "Washington Post" con el oscuro garaje subterráneo donde el reportero Bob Woodward se encuentra con su informante. Este contraste marcado sirve como una metáfora visual de una sociedad sumida en la sospecha y la paranoia.

Hoy en día, profesionales como Gordon Willis son una rareza, y la iluminación de bajo contraste a veces ha caído en el cliché. Las superproducciones la utilizan para simular profundidad y gravedad, mientras que las películas independientes la emplean para ahorrar en costosos equipos de iluminación. Sin embargo, la iluminación de bajo contraste debe adherirse a los mismos estándares: la información visual oculta debe atraer a la audiencia más profundamente en la narrativa en lugar de obligarlos a buscar detalles. A pesar de lo fuertemente que las sombras transmiten efectos emocionales, deben equilibrarse y mitigarse con luz ocasionalmente para evitar que la audiencia luche como si estuviera nadando en aguas turbias.

2 Luz de vela

En los últimos años, uno de los mejores ejemplos de uso de sombras se encuentra en la película de terror La bruja. Dirigida por Robert Eggers, la película narra la historia de colonos ingleses que viven en América del Norte en el siglo XVII. Excepto por una escena en interiores, todas las escenas en interiores de la película fueron filmadas por el director de fotografía Jarin Blaschke a la luz de las velas. Utilizó una luz tenue y tonalidades ámbar para iluminar los rostros de los personajes, dejando el fondo en una oscuridad profunda. Las escenas resultantes se asemejan a las pinturas al óleo de Rembrandt.

Las imágenes en La bruja no solo se ven bien, sino que se vuelven cada vez más inquietantes a medida que se desarrolla la historia, atrapando tanto a los personajes como a la audiencia en una atmósfera aterradora. Las cautivadoras imágenes de la película sirven a una función psicológica y visualmente calmante.

3 Iluminación natural

Robert Eggers y Jarin Blaschke siguen los pasos de cineastas de la década de 1970. Incluso con el equipo de cámara y lentes más avanzado, utilizan luz disponible, que es luz natural sin la ayuda de bombillas. Esto le da a sus imágenes una autenticidad directa, sincera y sin adornos.

Cineastas como Terrence Malick son aficionados a usar luz natural para crear belleza en sus cuadros. Junto con sus directores de fotografía, filman durante la hora mágica, que es justo después de que el sol se ha puesto o está a punto de salir, porque la luz durante este tiempo es cálida, difusa y visualmente impresionante. En Días de gloria de Malick, esas imágenes poéticas y pintorescas deben mucho a la cinematografía de la hora mágica.

Revenant. El renacido, una película ganadora del Oscar, demuestra efectivamente las ventajas de la iluminación de la hora mágica, con cada cuadro pareciendo tener su fuente de luz. El equipo de producción capturó magistralmente la belleza cruda del desierto occidental durante la temporada de invierno. No sorprendentemente, el director de fotografía de Revenant. El renacido, Emmanuel Lubezki, también es el cineasta de confianza de Terrence Malick. Ha trabajado en varias películas de Malick, incluyendo El árbol de la vida y Knight of Cups, la mayoría de las cuales se filmaron utilizando luz disponible. Aunque el manejo de Lubezki de la iluminación de la hora mágica es innegablemente hábil, el uso de esta técnica se centra cada vez más en la indulgencia estética y en obtener publicidad durante la fase promocional de la película, en lugar de servir a la historia.

4 Iluminación suave en películas de época

La iluminación en las películas de época es particularmente expresiva: además de Terrence Malick, películas como Del mismo barro de Robert Altman y Barry Lyndon de Stanley Kubrick, ambientadas en el siglo XVIII, fueron altamente influyentes en la década de 1970.

Del mismo barro es un clásico debido a la belleza brumosa y neblinosa que el director Robert Altman y el director de fotografía Vilmos Zsigmond crearon para este western ambientado en el noroeste de Estados Unidos. La estética onírica de esta película se convirtió en un emblema visual de toda la década de 1970, influyendo a directores como Steven Soderbergh, Paul Thomas Anderson, Sofia Coppola y muchos otros cuando hicieron películas ambientadas en esa época, todas emulando la rica paleta de colores y la atmósfera.

Barry Lyndon es significativa porque la mayoría de las escenas de la película fueron filmadas por Kubrick y el director de fotografía John Alcott a la luz de las velas (con la ayuda de sistemas de iluminación especialmente diseñados). El detallado y pintoresco conjunto de Barry Lyndon estableció el estándar más alto para las películas de época e influyó en las obras de Ismail Merchant, James Ivory y numerosas adaptaciones de las novelas de Jane Austen.

5 Rompiendo las reglas tradicionales de iluminación

Los contornos suaves y la calidad cinematográfica de la luz suave han sido durante mucho tiempo símbolos de las películas históricas. Cuando los cineastas rompen con esta tradición, es un movimiento audaz. Directores como John Sayles en Matewan y Kelly Reichardt en Meek's Cutoff rechazaron el enfoque suave, optando por tonos y estilos visuales nítidos y realistas para representar narrativas históricas. Esto representa una innovación artística.

Al rodar Gosford Park: Crimen de medianoche, ambientada en la era eduardiana, Robert Altman se apartó deliberadamente del estilo visual limpio y pulido de las películas de época, presentando un aspecto más relajado y desaliñado para recordar a la audiencia que podrían perder detalles importantes si no prestan atención.

Mientras filmaba Caballo de guerra, ambientada en el telón de fondo de la Primera Guerra Mundial, el director Spielberg y el director de fotografía Janusz Kaminski dieron intencionadamente a la película un aire de Lo que el viento se llevó, completo con una calidad brillante y teatral. Esta decisión fue un soplo de aire fresco, diseñado para recrear la sensación original de fábula del material fuente. Spielberg y Kaminski utilizaron iluminación clave, una técnica clásica, para enfocar la luz directamente en los actores, envolviéndolos en un resplandor deslumbrante, casi etéreo.

De manera similar, las técnicas de iluminación de Soderbergh son altamente adaptables. En superproducciones convencionales como Erin Brockovich, una mujer audaz y la serie La gran estafa, eligió métodos de iluminación convencionales que se adhieren a estéticas clásicas. Sin embargo, en trabajos relativamente de bajo presupuesto, adoptó un enfoque más casual, menos exigente estéticamente en la iluminación. Incluso en películas ligeramente más costosas como El desinformante y Contagio, se apartó de los límites de la iluminación tradicional, ocultando a las estrellas en sombras retroiluminadas o sobreexponiendo deliberadamente escenas con luz que entra por ventanas u otras fuentes.

En manos de cineastas experimentados, incluso los errores en la iluminación pueden mejorar el estado de ánimo y la atmósfera de la película, haciendo que toda la historia sea más convincente.