“The Devil's Bath”: um terror de destaque na Berlinale 

Por suas restrições únicas de gênero, o terror tem muitas vezes dificuldade em garantir um lugar nas principais secções de competição dos três grandes festivais de cinema da Europa. Apenas diretores internacionalmente aclamados ocasionalmente conseguem sucesso, como Julia Ducournau com Titane ou David Cronenberg com Crimes do Futuro. Ainda assim, esses filmes transcenderam o conceito tradicional de terror.

Em contraste com a tendência do terror corporal, o Festival de Cinema de Berlim deste ano viu surgir um “filme de terror” de estilo europeu, mais tradicional, na secção principal da competição, destacando-se entre os trabalhos de diretores como Bruno Dumont, Hong Sang-soo e Olivier Assayas – seu nome é The Devil's Bath, dirigido por Severin Fiala – ele marca a primeira aparição de um terror na principal seção de competição do Festival desde The Intruder em 2020.

Tendo iniciado sua carreira no terror, Fiala já dirigiu quatro filmes do gênero e conquistou um lugar na seção Horizontes do Festival de Cinema de Veneza com Boa Noite, Mamãe. The Devil's Bath abrange os gêneros de terror e drama histórico, aparentemente dois dos mais desafiadores de combinar.

Anteriormente, James Wan já havia integrado bem o incidente da boneca Annabelle de 1968 e o julgamento de Arne Cheyenne Johnson de 1981 em seu universo Invocação do Mal. Ainda assim, o terror americano é mais adequado pelo seu foco regional e direcionado a objetos. O longa de estreia de Goran Stolevski, Você Não Estará Só! de 2022, embora de sabor distintamente europeu, incorporando muitos elementos demoníacos, luta para estabelecer uma conexão com a história, servindo principalmente como pano de fundo.

Entender a essência de The Devil's Bath depende da compreensão de seu contexto histórico e do significado transmitido por seu título. Situado numa aldeia rural austríaca em 1750, o filme, baseado em registos históricos de tribunais, investiga um fenômeno sombrio pouco conhecido na história europeia: nas estritas sociedades católicas e protestantes do século XVIII, acabar com a vida era considerado um dos pecados mais graves; portanto, aqueles que sofrem de tendências suicidas muitas vezes escolhem acabar com a vida de outra pessoa, na esperança de purificar seus pecados, confessar seus crimes e ganhar entrada no céu. Essa prática persistiu durante mais de um século na Alemanha, Suécia, Áustria, França e Inglaterra, com mais de 400 casos registrados apenas nas regiões de língua alemã. Na época, esse comportamento era coloquialmente chamado de “banho do diabo” – “devil's bath” em inglês.

A protagonista do filme é Agnes, que mora com o marido, Wolf, mas se sente deslocada no duro ambiente rural – ela se percebe como uma estranha neste mundo. Em contrapartida, o mundo de Wolf é indiferente e pragmático, repleto de trabalho, trivialidades e expectativas, contrastando com a introversão da esposa. O cativeiro interior dela torna-se cada vez mais pesado e sua depressão, mais avassaladora.

A atuação da protagonista é sem dúvida o destaque mais marcante – ela surge como pioneira no Urso de Prata de Melhor Atriz. A trajetória de sua personagem evolui de uma garota ingênua com expectativas românticas até um casamento infeliz; ela é incapaz de atender às expectativas sociais das mulheres como "máquinas de procriar" e enfrenta uma condenação social generalizada por isso. Sob pressão religiosa, ela expressa sua dor interior com a automutilação. O acúmulo de tudo isso a leva a acabar com sua vida de forma trágica. A profundidade e complexidade da personagem, aliadas à bela representação das camadas emocionais da atriz, proporcionam ao público uma poderosa experiência visual e psicológica, explorando profundamente a situação e a resistência das mulheres sob a opressão social e religiosa.

The Devil's Bath se destaca dos filmes de terror típicos por desafiar a categorização como terror psicológico, terror medieval ou qualquer outro gênero. Fundamentado no contexto histórico, pretende manter um tom solene, reconstruindo o núcleo das doutrinas religiosas do passado e as emoções melancólicas que evocam. Através de um rigoroso sistema estético, os criadores reinventaram este acontecimento e o mundo da época com a linguagem do cinema. Seu prólogo define efetivamente o tom e o estilo para o público.

Ele começa com um close prolongado, aproximando o espectador intimamente. Uma mãe carrega seu filho para uma floresta densa, e a câmera segue como se fosse um observador em primeira mão testemunhando o desenrolar dos acontecimentos. Ao se aproximar de uma cachoeira na beira de um penhasco, o som natural da queda preenche todo o cinema. Num plano fixo, a mãe faz algo chocante – naquele momento, a cachoeira não parece mais um mero ruído de fundo, mas um eco tumultuado do coração, notável pela ausência de música.

A seguir, a mãe atravessa uma ponte suspensa coberta de névoa, aparentemente caminhando em direção a um ato redentor de abrir um portão... Neste momento, o público parece observar tudo isso através de uma visão de mundo nebulosa que lembra Zona de Interesse. O prólogo termina revelando o título —

Aqui, o filme deixa a audiência em suspense sobre a morte da mulher. A perspectiva do filme retorna ciclicamente à protagonista, Agnes. Os momentos tradicionais de terror, assustadores ou misteriosos, não são jumpscares, mas, sim, o culminar da atmosfera, com o cenário e o ambiente exalando constantemente uma sensação de controle percebida pelos espectadores.

Esses ambientes fechados guiam gradativamente o público a sentir as emoções dos personagens. O filme evita quase totalmente a iluminação artificial, contando com luz natural ou adereços como tochas e lamparinas a óleo... Isso aumenta a sensação de realismo nos personagens e na história e serve como um meio eficaz de desenvolvimento.

Inicialmente, quando Agnes tenta ter intimidade com Wolf, a luz da lamparina a óleo ilumina seu rosto; acima dela está a mão imponente de Wolf. Ao redor de Agnes existe uma escuridão sem fim, talvez sinalizando o início de seu envolvimento. Mais tarde, ao explorar os cantos da casa com uma tocha, a luz que cobre seu rosto diminui até que, em seus pesadelos, ela é quase totalmente envolvida pela escuridão, de costas para a luz. O uso extensivo de sombras remonta aos filmes expressionistas alemães de um século atrás, criadas pela luz do fogo, reinterpretando o ambiente misterioso de O Gabinete do Dr. Caligari no novo século.

Além da utilização inteligente da luz natural, a importância do som é evidente – e houve moderação no seu uso. Para se alinhar ao tom e ao mundo construído do filme, ele emprega apenas sons ambientais básicos e ruídos perturbadores, como o chilrear fraco de insetos, em eventos verdadeiramente transpirantes.

Durante os momentos de comemoração dos aldeões, a música folclórica tradicional é amplamente utilizada, lembrando instantaneamente Piratas do Caribe. No entanto, ao retratar a dor, a repressão e a luta de Agnes em seus pesadelos, a música apropriada penetra na cena, aumentando a tensão de sua agonia. Até a música sacra durante o momento de busca de perdão no final carrega uma atmosfera arrepiante.

A música e o som servem não apenas como precursores de sustos, como costuma acontecer nos filmes de terror, mas como extensões do ritmo narrativo e da experiência sensorial. Foi revelado que algumas dessas músicas foram compostas pela própria atriz principal, contribuindo para a expressividade da trilha.

O filme segue a perspectiva de Agnes, que evolui lentamente das risadas iniciais em seu casamento até o entorpecimento diante da vida no final; o público acompanha a personagem nessa vida de “desprezo”. Aqueles que viram o prólogo sentem ainda mais desespero – é um ciclo sem fim. No final das contas, os aldeões testemunharam tudo sem qualquer tristeza ou remorso; eles foram preparados há muito tempo, caindo em um frenesi entorpecido.

Wolf não ama a esposa? Na cena final, fica evidente que ama, mas a tragédia se desenrola mesmo assim. Essa indiferença e opressão ocorrem constantemente, desconhecidas para eles e para nós. A história do filme se estende por quase um século, mas e as pessoas na realidade? O filme recebeu aplausos prolongados após a exibição e, mesmo após seu término, alguns permaneceram sentados no cinema, aguardando o fim da música. Ele é muito mais do que apenas uma reformulação da história, carregando um significado mais profundo.