El baño del diablo: ella merece el Oso de Plata a la mejor actuación protagónica

Debido a las particulares limitaciones de género, las películas de terror a menudo encuentran desafíos para asegurar un lugar en las secciones de competencia principales de los tres grandes festivales de cine de Europa. Solo ocasionalmente directores aclamados internacionalmente logran abrirse camino, como Julia Ducournau con Titane o David Cronenberg con Crimes of the Future. Sin embargo, estas películas han trascendido el concepto tradicional de terror.

A diferencia de la tendencia de terror corporal, el Festival de Cine de Berlín de este año vio surgir una película de terror más tradicional de estilo europeo en la sección principal de competición, destacándose entre las obras de directores como Bruno Dumont, Hong Sang-soo y Olivier Assayas. No es otra que El baño del diablo, dirigida por Severin Fiala. Este marca la primera aparición de una película de terror en la sección principal de competición del Festival de Cine de Berlín desde El prófugo de 2020.

Habiendo iniciado su carrera en el horror, el director Severin Fiala ha dirigido previamente cuatro películas de terror y ha conseguido un lugar en la sección Horizontes del Festival de Cine de Venecia con Goodnight Mommy. El baño del diablo combina los géneros de horror y drama histórico, aparentemente dos de los géneros más desafiantes de combinar.

Anteriormente, James Wan integró ingeniosamente el incidente de la muñeca Annabelle de 1968 y el juicio de Arne Cheyenne Johnson de 1981 en su universo de El conjuro. Sin embargo, el horror estadounidense es más adecuado para su enfoque regional y orientado a objetos. El largometraje debut de Goran Stolevski, No estarás sola en 2022, aunque tiene un sabor distintivamente europeo, incorporando muchos elementos demoníacos, lucha por establecer una conexión con la historia, sirviendo principalmente como telón de fondo.

Comprender la esencia de El baño del diablo depende de entender su contexto histórico y el significado transmitido por su título. Ambientada en un pueblo rural austriaco en 1750, la película, basada en registros históricos judiciales, explora un sombrío fenómeno poco conocido en la historia europea: en las estrictas sociedades católicas y protestantes del siglo XVIII, terminar con la propia vida se consideraba uno de los pecados más graves. Por lo tanto, aquellos que sufrían de depresión y tendencias suicidas a menudo elegían terminar con la vida de otra persona, con la esperanza de limpiar sus pecados confesando sus crímenes y obteniendo la entrada al cielo. Esta práctica persistió durante más de un siglo en Alemania, Suecia, Austria, Francia e Inglaterra, con más de 400 casos registrados solo en regiones de habla alemana. Este comportamiento fue coloquialmente llamado El baño del diablo en ese momento.

El protagonista de la película es Agnes, quien vive con su esposo, Wolf, pero se siente fuera de lugar en el duro entorno rural. Se percibe a sí misma como una extraña en este mundo. En contraste, el mundo de Wolf es indiferente y pragmático, lleno de trabajo, trivialidades y expectativas, contrastando con la introversión de Agnes. Su encierro interno se vuelve cada vez más pesado, y su depresión se vuelve abrumadora.

En esta película, la interpretación de la actriz principal es sin duda el punto destacado más llamativo. Se perfila como la principal candidata al Oso de Plata a la Mejor Actriz. La trayectoria de su personaje evoluciona desde una chica ingenua con expectativas románticas hasta soportar un matrimonio infeliz, incapaz de cumplir con las expectativas sociales de las mujeres como "máquinas de procrear" de esa época, y posteriormente enfrentando una condena social generalizada. Bajo la presión religiosa, no puede escapar de su sufrimiento poniendo fin a su vida. Sin embargo, solo puede expresar su dolor interno y lucha a través de autolesiones. La acumulación de todo esto finalmente la lleva a poner fin a su vida trágica de manera extrema. La profundidad y complejidad de este personaje, junto con la exquisita representación de estas capas emocionales por parte de la actriz, proporcionan al público una experiencia visual y psicológica poderosa, explorando profundamente la difícil situación y la resistencia de las mujeres bajo la opresión social y religiosa.

El baño del diablo se destaca de las típicas películas de terror al desafiar la categorización como horror psicológico, horror medieval, o cualquier otro género. Arraigada en el contexto histórico, la película tiene como objetivo mantener un tono solemne y reconstruir el núcleo de las doctrinas religiosas pasadas y las melancólicas emociones que evocaban. A través de un riguroso sistema estético, los creadores reimaginaron este evento y el mundo de esa época a través del lenguaje del cine. El prólogo de la película establece eficazmente el tono y el estilo para el público.

El baño del diablo comienza con una toma extendida en primer plano, acercando íntimamente al espectador al sujeto. Una madre lleva a su hijo a un profundo bosque, y la cámara sigue como un observador de primera mano presenciando los eventos que se desarrollan. Cuando la madre se acerca a una cascada en el acantilado, el sonido natural de la cascada llena todo el teatro. En una toma fija, la madre hace algo impactante. En ese momento, la cascada parece ya no ser solo un ruido de fondo sino un eco tumultuoso del corazón, notable por la ausencia de música acompañante en este segmento.

A continuación, la madre cruza un puente colgante cubierto por la niebla, aparentemente dirigiéndose hacia un acto redentor de abrir una puerta... En este momento, la audiencia parece observar todo esto a través del mundo brumoso, reminiscente de Zona de interés. El prólogo de la película concluye, revelando el título—

En este punto, la película deja a la audiencia en suspenso sobre la muerte de la mujer. La perspectiva de la película retorna cíclicamente al protagonista, Agnes. Ya sea horror tradicional, escalofriante o momentos inquietantes, nunca son "sustos repentinos", sino más bien la culminación del ambiente y la atmósfera general, con la configuración y el ambiente de la película constantemente exudando un sentido de control percibido por los espectadores.

Estos entornos cerrados guían gradualmente a la audiencia a sentir las emociones internas de los personajes. La película casi no utiliza iluminación artificial, confiando en la luz natural o en accesorios ingeniosamente empleados como antorchas o lámparas de aceite... Esto realza el sentido de realismo en los personajes y la historia y sirve como un medio efectivo de desarrollo de personajes.

Inicialmente, cuando Agnes intenta intimidad con Wolf, la luz de la lámpara de aceite ilumina su rostro, pero sobre ella está la mano imponente de Wolf. Detrás y alrededor de Agnes yace una oscuridad interminable, quizás señalando el comienzo de su envolvimiento. Más tarde, mientras explora los rincones de la casa con una linterna, la luz que cubre su rostro disminuye hasta que, en sus pesadillas, está casi completamente envuelta por la oscuridad con la espalda vuelta hacia la luz. El uso extensivo de las sombras recuerda a las películas expresionistas alemanas de hace un siglo, con sombras creadas por la luz de las llamas reinterpretando el ambiente inquietante de El gabinete del Dr. Caligari para el nuevo siglo.

Además del uso ingenioso de la luz natural, la importancia del sonido es evidente por sí misma. Los creadores ejercieron restricción en el uso del sonido en esta película. Para alinearse con el tono de la película y el mundo construido, la película emplea solo sonidos ambientales básicos y ruidos inquietantes, como el leve chirrido de insectos, en eventos verdaderamente transcurridos.

Durante momentos de celebración y aclamación por parte de los aldeanos, se utiliza extensamente música folclórica tradicional, evocando instantáneamente recuerdos de Piratas del Caribe. Sin embargo, al representar el dolor, la represión y la lucha de Agnes en sus pesadillas, la música apropiada se filtra en la escena, intensificando la tensión de su agonía. Incluso la música sagrada durante el momento de buscar el perdón de Agnes al final lleva consigo una atmósfera escalofriante.

En esta película, la música y el sonido no sirven simplemente como precursores de sustos, como suele ser el caso en las películas de terror, sino como extensiones del ritmo narrativo y la experiencia sensorial. Más tarde se reveló en una conferencia de prensa que parte de la música fue compuesta por la actriz principal, contribuyendo a la notable expresividad de la banda sonora.

La película sigue la perspectiva de Agnes, que evoluciona lentamente desde las risas iniciales en su boda hasta el adormecimiento hacia la vida al final. La audiencia acompaña al personaje a través de esta vida de ser despreciada, pero aquellos que han visto el comienzo del prólogo sentirían aún más desesperación. Es un ciclo interminable. En última instancia, los aldeanos lo presenciaron todo sin ningún pesar o remordimiento; estaban preparados desde hace mucho tiempo, descendiendo en un frenesí adormecido.

¿Acaso Wolf no ama a su esposa? A partir de la escena final, es evidente que sí lo hace, pero esta tragedia se desenvuelve de todas formas. Esta indiferencia y opresión están ocurriendo constantemente, desconocidas tanto para ellos como para nosotros. La historia en la película abarca casi un siglo, pero ¿qué hay de la gente en la realidad? La película recibió prolongados aplausos después de la proyección, e incluso después de que terminó, algunos permanecieron sentados en el teatro, esperando a que la música concluyera. Esta película es mucho más que una mera reconfiguración de la historia; lleva consigo un significado más profundo.