ENTREVISTA CON FEDE ÁLVAREZ - por "Alien: Romulus" (2024). 

En Uruguay el nombre de Fede Alvarez es uno de los pocos nombres que resuenan tanto en los espacios más cinéfilos como en el público general que asiste a una sala de cine. Y dentro de la industria local, es inevitable pensar a Álvarez como una especia de mesías que une a quienes se resisten a darle valor al blockbuster y se inclinan por el cine arthouse; y a los que se acercan religiosamente los días de estreno a los cines formato multiplex a ver lo último que ha salido de Hollywood. Con una promesa de posible éxito, de que ese sueño de que un artista uruguayo pueda llegar a las grandes ligas.

La historia de Álvarez ya es conocida: luego de mostrar al mundo su capacidad con el cortometraje ¡Ataque de pánico! (2009), Álvarez fue convocado por el legendario Sam Raimi para dirigir el remake de Evil Dead (2013), película que escribiría con su amigo y compatriota Rodo Sayagues. La película tuvo un éxito tímido en taquilla pero se ganó un lugar en el corazón de los amantes de la saga y del horror en general. Lo cual le valió a Álvarez y Sayagues un pase libre para hacer una propuesta original, con un presupuesto y un reparto mucho más que digno y con todos los chiches que Hollywood podía permitirle a estos nóveles cineastas a su disposición.

Así nació No respires (2016), protagonizada por Jane Levy, Dylan Minnette, Daniel Zovatto y Stephen Lang, dirigida por Álvarez, escrita junto a Sayagues y filmada por el también uruguayo Pedro Luque. La película fue un éxito a nivel internacional y se convirtió en una pionera en lo que posteriormente comenzaría a conocerse como terror sensorial. Ola en la cual también entran títulos como Hush (Mike Flanagan, 2016), Un lugar en silencio (John Krasinski, 2018); y Bird Box (Susanne Bier, 2018).

Dos años después llegaría nuevamente la propuesta de hacer una adaptación, en este caso de la saga Millenium. En lo que terminó siendo La chica en la telaraña (2018), la cual es probablemente el título menos recordado del oriental. Y en 2021, pandemia mediante, Álvarez volcaría toda su habilidad en relación al terror sensorial en la serie Calls, adaptada de un formato homónimo de origen francés, y donde pudo dirigir a actores de la talla de Pedro Pascal, Lily Collins, Aaron Taylor-Johnson, Aubrey Plaza y Ben Schwartz entre otros. El mismo año Rodo Sayagues se pasaba a la silla de director en No respires 2, mientras que Álvarez ocupaba el lugar de productor.

Lo cierto es, que entre tanto éxito, actores de renombre, propuestas interesantísimas que le llegaban y la posibilidad de ser parte de una de las franquicias de horror y ciencia ficción más importantes de la historia, Fede podría haberse distanciado del lugar que lo vió nacer con facilidad. Pero por el contrario, eligió cada vez que estrenaba una nueva película, acercarse a Uruguay para vivir el estreno con su gente, para dar charlas y masterclasses, hablar con periodistas, fanáticos y estudiantes de cine que lo miran con admiración.

Mi primer contacto con Fede fue de cara al estreno de Calls, para una entrevista virtual en 2021. Un año más tarde, me encontraba en plena etapa de pre-producción de un cortometraje de terror que había escrito y dirigido, y en mi afán por escuchar la experiencia y las opiniones de gente que admiraba, me arriesgue a enviarle un correo contándole todas mis preocupaciones e incertidumbres, mis miedos. El cual el director no dudó en responder con unas palabras que independientemente del contexto que las rodea bien pueden aplicarse a cualquier ámbito:

“Nico, el mundo es de los valientes. No te imaginas la cantidad de compañeros de facultad muy talentosos, con más talento que yo muchas veces, que por que dejaron que el miedo y el ego les llenaran la cabeza de "¿qué pasa si queda mal?' terminaron paralizados y no hicieron nada con sus carreras o sus vidas.

El miedo en esto del arte no sirve para nada. Tampoco los cálculos complejos de si sirve para algo el corto o no, o a donde te lleva, etc. Hay una sola cosa que sirve: HACER EL TRABAJO.

Hacer, hacer y hacer. Algunos quedan mejores que otros, pero todos te enseñan un montón. No hay manera de aprender si no se hace. Y hay que hacer mucho si se quiere despegar del pelotón.

Pensá una idea. Ejectuala. Pasa a la siguiente. Y asi para adelante. La vida es muy corta para inventarse miedos e inseguridades. A fin de cuenta a nadie le importa si te sale mal (o bien, a veces). Da lo mismo. Lo importante es que hagas la mayor cantidad de cosas que puedas. Con cada corto aprendes toneladas (¡sobre todo con los que salen mal!)

Asi que nada de miedos, y para adelante.”

Y es con ese mindset que expresa en esas palabras, que en 2024, Álvarez se llevó todo puesto dando vida a la nueva pieza de la franquicia de Alien con Alien: Romulus, la cual al margen de la taquilla y la aprobación casi unánime por parte del público acaba de valerle una nominación al Óscar por mejores efectos visuales.

La historia de Alien: Romulus se ubica cronológicamente entre Alien (Ridley Scott, 1979) y Aliens (James Cameron, 1986) y sigue a un grupo de jóvenes que deciden escapar de su colonia para intentar llegar a un planeta ideal, Yvaga III. Para llegar se proponen hacerse con la tecnología de una estación abandonada llamada Renaissance que se divide en dos módulos: Romulus y Remus. Pero al llegar a la estación, habrá algo esperándolos.

La película no solo funciona mucho mejor de lo que lo hacía Alien: Covenant (2017) para continuar y recuperar el legado de Alien conforme expande su universo. Sino que le permitió a Álvarez construir un relato que denota su comodidad trabajando con el cine de género y explotando al máximo las posibilidades del terror sensorial, mientras recupera la esencia de las primeras películas de la saga (principalmente de la película de Cameron) sin caer en el pastiche ni ser una recuela más.

Como es costumbre para el director, si bien el estreno oficial de la película fue en Estados Unidos, viajó a Uruguay para el estreno local donde brindó algunas entrevistas y presentó un adelanto de la película.

La siguiente entrevista exclusiva e inédita fue realizada en el Hyatt Centric Montevideo en el marco del estreno de la película en Uruguay en agosto de 2024.

Fede, una vuelta, hablando de un corto, te pedí un consejo y me dijiste que “el miedo en esto del arte no sirve para nada”. ¿Cómo se siente Fede Álvarez hoy cuando le ponen una franquicia como Alien enfrente?

Es una emoción total. La emoción y el entusiasmo y todo eso le gana a cualquier tipo de sensación de inseguridad o miedo o de “Uff, que estamos haciendo”. En general el entusiasmo y mi amor por esta saga es lo que más me hace cuando me entero. Es una alegría brutal. Generalmente en el momento no te das cuenta. No es hasta que la estás filmando, y de hecho, más cuando la terminas que esta pronta que te das cuenta en la responsabilidad que te metiste. Cuando ves cuanta gente en el mundo adora la saga tanto como uno y cuanta responsabilidad uno tiene con la película. Pero en el proceso de hacer intento no pensar mucho en eso porque no ayuda a nadie.

Obviamente es una franquicia que tiene mucha historia. ¿Cuáles elementos de todo lo que fue la franquicia de Alien vos creías que era importante recuperar de cierta manera e incluir en la película?

Creo que eran esas técnicas medias perdidas de los efectos prácticos. También un poco de la sencillez de las primeras películas donde las aspiraciones eran darte una aventura, algo que te asustara, que te enganchara, que te tuviera pegado a la pantalla todo el tiempo. El evento de thriller y de terror de las primeras películas que se fue suplantando por otros. Que siempre estuvieron ahí en Alien pero fueron tomando un lugar secundario. Para mí lo más importante era volver a eso. Sobre todo es como re interpretar la experiencia que yo tuve viendo esas películas originalmente y volcarlas en una película nueva.

¿Qué creías que podías aportar, traer de nuevo a la saga? Ya sea en puesta en escena, a nivel técnico o por tu experiencia.

No sé. Eso la verdad me lo tenes que decir vos cuando veas la película ¿no? Y te voy a preguntar la próxima vez “¿y? ¿aporté algo?” y me digas si lo hice o no. Pero al menos yo sabía que el approach mío era completamente diferente, no solo para Alien sino para las películas en general. Te das cuenta en general cuando lo planteas al equipo y todo el mundo te queda mirando como “¿cómo vamos a hacer qué?”. Y yo quiero construir los sets de verdad y no quiero poner pantallas verdes, y no quiero poner nada que sea falso. Y que los robots y las criaturas tienen que ser que realmente estén ahí, que hagan lo que tienen que hacer. O personas disfrazadas a veces. Todas las técnicas que se han hecho siempre me parecen mucho más efectivas al momento de hacer algo visceral.

Algo que has dicho varias veces es esta idea de que lo importante es contar la mejor historia posible con las herramientas que tenes a mano. ¿Qué pasa cuando tenes tantas herramientas a mano cómo te puede permitir una franquicia como esta y una película que tiene un despliegue como esta?

Es la situación ideal. Que haya los recursos que uno necesita. En general lo que pasa es que nunca la sensación de un director responsable, jamás debería ser “tengo todo lo que quiero”. Jamás. La sensación de hecho es “no tengo nada, por favor, como piensan que puedo hacer la película con estos recursos”. Eso sucede a todo nivel cuando un director se toma en serio si película. Porque te dan los recursos y vos decís “con esto puedo hacer esto” pero queres empujarlo y queres que crezca más. Esta película para el tamaño que tiene la historia se hizo con muchos menos recursos que los habituales. Y es la tradición de Alien. Aliens por ejemplo, James Cameron, me decía, él y su equipo hablando de Alien me decían “no teníamos un mango para hacer lo que queríamos hacer”. Y era una película de bajo presupuesto en su momento. No era mucho más dinero que Alien, la primera, y la ambición era diez mil veces más grande. Siempre tenes que estar al límite. Eso significa que estas aprovechando todos los recursos al máximo. Que realmente tu ambición esta lo más alto que puede estar. Por eso generalmente en el día no hay suficiente tiempo, las herramientas no son suficientes, te faltan, no tenes tanta gente como necesitas, eso es lo que siempre pasa en estas cosas. En la escena del Chestbuster saliendo de la persona, me acuerdo que la íbamos a hacer y no estaba saliendo bien porque faltaba gente, y terminamos llamando al equipo que hacía el Xenomorph, que era otro equipo diferente, y entraron todos a ayudar y terminamos teniendo nueve personas ayudando para poder hacerlo bien. La ambición tiene que siempre ir por lo menos un treinta o cuarenta por ciento por encima de los recursos.

Vos y Rodo [Sayagues] son pioneros en lo que fue esta ola de terror sensorial que después se popularizó mucho. ¿Qué hay en Alien: Romulus de terror sensorial?

Muchísimo. El objetivo de ponerte ahí en la escena y que casi la película salga de la pantalla y este en la sala contigo. Hay muchas escenas en esta película que te hacen acordar a No respires donde el sonido es literalmente cero. Donde esta tan callada la cosa que no te animas a meter la mano en el pop porque vas a hacer mucho ruido. Y eso es algo que siempre te hace conectar con la historia y hay mucho de eso acá al igual que había en No respires.

Si te gustó el artículo o preferis ver la entrevista completa, podes acceder a ella en el siguiente enlace de YouTube.